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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
Du compositeur à l’auditeur, de la psychologie à la spiritualité, de l’art à la science, découvrez dans la rubrique «La culture musicale dans ses divers aspects» les différentes facettes de la musique de manière insolite, de sa création par le compositeur à la manière dont l’auditeur la perçoit, en lien avec le comportement humain et la conscience. Une place sera aussi faite dans ces rubriques aux questions en lien avec l’éthique.
LA CULTURE MUSICALE DANS SES DIVERS ASPECTS
LES RELATIONS QU’A LA MUSIQUE AVEC LES AUTRES ARTS ET LA CULTURE
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La répétition discursive des éléments musicaux
Comme le langage, la musique est faite de différents éléments qui constituent une grammaire. Les plus petits éléments sonores du langage qui font du sens sur le plan auditif sont les phonèmes et leurs correspondants, dans le domaine musical, sont les musèmes. Les riffs, que l’on trouve dans le rock et dans certains genres de musique Afro-Américaine, sont des répétitions de musèmes: ils constituent en conséquence ce que l’on appelle une répétition “musematique”. Ces courtes phrases musicales introduisent généralement un refrain et sont elles-mêmes reprises à travers différentes mélodies. Parmi des dizaines de milliers, un exemple de riff peut être entendu dans ‘Creep’, de Radiohead. Son sens ici a trait à l’apitoiement sur soi à cause d’un béguin futile.
A côté de la répétition musematique, la répétition discursive est en fait la duplication d’unités sonores plus longues. On la trouve par exemple dans ‘Love me tender’ de Elvis Presley. Cette duplication spécifique permet de créer un effet de symétrie dans la chanson. Notons que les deux types de répétition, musematique et discursive, ont des effets fort différents, parce qu’elles ne contiennent pas la même quantité d’information.
Linguistique, sémiotique et imagerie musicale
Un objet majeur de la sémiotique musicale est d’en savoir plus sur la manière dont les auditeurs peuvent combiner les signes musicaux avec des mots et aussi avec leurs humeurs. Des études ont été faites qui impliquent le champ de la psychologie humaine, notamment par un chercheur dénommé Bruno de Florence, qui a établi des parallèles entre des essais de sémiologie musicale et des écrits de Freud ou Lacan, de manière à expliquer des données relatives à la constitution d’une imagerie musicale par l’auditeur de musique.
Dans le domaine de la linguistique, Noam Chomsky, qui fut un jour présenté au chef d’orchestre Leonard Bernstein pendant une conférence à Harvard, était particulièrement intéressé par la musique. Chomsky expliqua que, comme le corps, l’esprit est un système hautement différencié avec différents organes et facultés, plutôt qu’un tout uniforme. Le langage est une de ses facultés, la musique en est une autre: choisir une mélodie ou écrire un narratif pour un orchestre, c’est organiser la pensée.
Quant aux auditeurs de musique, ils produisent du sens à partir des divers éléments perçus dans une musique. Ils produisent une réponse, comme dans toutes les formes de communication.
A partir de ces données, on peut s’interroger. En effet, qu’est-ce qui fait qu’une séquence de notes, un rythme spécifique et des harmonies particulières produisent plus de sens que d’autres? Pourquoi amènent-elles des réponses plus favorables de la part des auditeurs? Et pourquoi est-ce que l’appréciation musicale est fondamentalement individuelle, même si chaque genre de musique a ses règles générales partagées par une communauté? Pour les mêmes raisons qu’un essai va y arriver et un autre non: chaque individu est le produit d’une culture spécifique et il faut de temps pour former de nouvelles habitudes d’écoute musicale, c’est comme étudier un autre langage.
Voilà pourquoi tout le monde n’aime pas tous les styles de musique. Passer d’un style de musique à un autre, c’est parfois presque passer d’une langue à l’autre, il faut en conséquence du temps pour en comprendre les subtilités, surtout si l’on se situe au niveau de la découverte de la musique elle-même.
REPETITION, IMAGERIE ET GRAMMAIRE MUSICALE
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SEMIOLOGIE DE LA MUSIQUE ET DESCRIPTION DES SIGNIFICATIONS EN MUSIQUE
Quelques données au sujet de la communication musicale
Pendant les 19e et 20e siècles, de nombreux linguistes ont créé des concepts pour décrire les langages humains et tous leurs éléments, de manière à mieux comprendre et exposer les procédés de la communication verbale. Ces concepts incluent la notion de phonème, qui désigne la plus simple unité de langage ayant une signification et qui correspond plus ou moins à un son produit par la bouche humaine, même si ce n’est pas toujours le cas. Dans les années 1960, le musicologue Charles Seeger a adapté l’idée de phonème (la plus petite unité sonore perceptible dans le langage) au contexte musical et il a parlé de musème.
Bien sûr, en musique comme dans le langage, à côté des éléments de base qui assurent la communication physique du contenu, il y a des figures de style, par exemple les anaphones et les synecdoques de genre. L’anaphone peut être défini comme un anagramme d’une séquence sonore précédente. Il y a 3 types d’anaphones: les anaphones soniques (fournis par exemple par les sons d’une cloche), kinétiques (des sons similaires à des crissements de pneus, par exemple) et tactiles (comme l’attaque d’un son produit par un synthétiseur). ‘Flight of Bumblebee’ de Rimsky-Korsakov est clairement un exemple dans lequel il y a usage d’anaphone kinétique. Quant à la synecdoque de genre, en musique, cette notion se réfèle à un style musical qui, dans une pièce spécifique, est étranger au style dominant la structure générale de cette pièce.
Répétition et signification musicale
Comme c’est le cas dans le langage, la répétition est importante en musique. Elle est utile pour atteindre différentes cibles telles que des bénéfices. En effet, la répétition est une aide à la mémorisation et, en conséquence, elle a généralement du succès auprès du grand public. Elle peut aussi permettre de rencontrer des visées artistiques, contribuant à créer des effets de symétrie, de balance et de proportion, notamment dans des titres musicaux plus longs, mais pas uniquement. ‘Bacardi Feeling’, un commercial écrit pour Bacardi en 1991, inclut un grand nombre de répétitions. Des chansons populaires comme ‘Copacabana’, de Barry Manilow, ou ‘Born to be alive’, de Patrick Hernandez, sont quasiment entièrement faites de répétitions. Les deux invitent à la danse et il en va de même du commercial de Bacardi.
Plus il y a de répétition dans un message, moins celui-ci a de contenu informatif. En fait, toutes les musiques contiennent des répétitions, mais dans des proportions différentes et ces répétitions ne sont pas toutes de même nature. Par ailleurs, généralement, la répétition a une signification étendue qui est différente dans chaque contexte politique et économique, comme dans l’esprit de chaque auditeur individuel. Au niveau musical, la nature de ce qui est répété fait que la répétition a du poids ou pas. Par exemple, dans la musique écrite par Steve Reich, la répétition en est presque l’essence, avec des variations. C’est la même chose pour le célèbre ‘Canon in D’ de Pachelbel, dont la ligne de basse est répétée de manière incessante. Dans un style de musique électronique comme la trance, la répétition crée une structure qui est quasiment concentrique, de manière à produire, si possible, des états de conscience légèrement différents de ceux de la vie quotidienne.
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Les mots et l’incarnation naturelle de la musique
Utiliser des mots pour décrire des petits détails de leur interprétation, des musiciens peuvent finir par partager leur manière de ressentir le groove d’un morceau de musique spécifique. Par exemple, des bassistes, joyant d’une manière “filandreuse”, vont induire dans leur musique un autre groove que ceux qui interprètent de façon “ramassée”. Et, en l’exprimant, ils vont aider d’autres musiciens à comprendre ce qu’ils font et comment ils ressentent naturellement la musique.
C’est cela, l’incarnation de la musique, et c’est un phénomène naturel en lien avec la vie, les pulsions, les impulsions. C’est tellement naturel que dans le langage des Kaluli, une tribu de Papouaisie Nouvelle Guinée, les mots utilisés pour décrire les intervalles mélodiques en musique sont les mêmes que ceux qu’ils emploient pour dépeindre les caractéristiques des chutes d’eau. Et dans un pays comme l’Azerbaijan, un chercheur a trouvé qu’il y a des similarités entre les motifs musicaux et ceux trouvés dans les carpettes tissées! De telles considérations ne manquent pas d’évoquer des pièces de musique comme les “Arabesques” de Debussy, qui considère le sens musical comme un tout. Et même dans une cantate de Bach, ainsi qu’un chercheur l’a montré, on trouve une métaphore qui représente l’acte de frapper à une porte.
La musique et le langage de la nature
Faire et écouter de la musique implique tout le corps humain et de ce fait, le discours musical est enraciné dans la perception. La musique est, en un sens, un mouvement et un organisme. Aussi n’est-il pas étrange que des éléments musicaux puissent être définis avec des mots qui décrivent la nature et la vie. La musique classique peut ainsi être dite “sombre”, comme la “Symphonie n° 5” de Beethoven; ou à l’inverse, “légère”, comme ‘All Things bright and beautiful’ de John Rutter. La musique peut être décrite en termes de mouvement et de force. Se produisant dans un espace physique, elle peut être perçue: le mouvement physique est une réalité, le mouvement musical aussi.
Dans la musique populaire, les paroles reflètent l’intérêt humain pour la nature, aussi bien que le fait que la musique est un événement qui se déroule dans un espace physique: les mots sont alors une redondance de la musique. Un titre de musique populaire comme ‘Aspenglow’, de John Denver, en est un bon exemple. Dépeignant un beau paysage d’hiver, la chanson parle également de la force de caractère qui est nécessaire pour construire des relations fortes, le thème principal étant la paix de l’esprit. La mélodie de cette chanson est lente et simple: en hiver, la vie tourne au ralenti et tout est dépouillé; la lenteur et la simplicité peuvent également signifier le calme de manière efficace. Dans d’autres styles, nous pouvons mentionner ‘Earth Song’ de Michael Jackson, ‘Kashmir’ de Led Zeppelin ou ‘Diamonds on the Water’ de Enya.
COMMENT LES MUSICIENS, LES CHERCHEURS ET LES AUDITEURS UTILISENT-ILS LE LANGAGE POUR DEFINIR UNE VISION MUSICALE?
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Langage figuratif et amélioration des pratiques musicales
Qu’est-ce qui se passe quand des compositeurs rencontrent un producteur et des ingénieurs du son pour créer et finaliser un album de musique pop? Tout d’abord, ils se mettent d’accord sur le sens du mot ‘pop’. En effet, il y a de nombreuses définitions du terme. Généralement, la musique pop ou populaire est enracinée dans la culture populaire, aussi est-elle appréciée par de vastes audiences. Elle présente quelques caractéristiques spécifiques: les pièces sont courtes, basées sur la mélodie et sur les textes.
Ceci dit, une définition formelle ne suffit pas à établir un cadre pour une production spécifique: les membres d’un groupe communiquent entre eux et avec l’équipe qui les encadre afin que tous se mettent d’accord sur ce qui doit être fait. Dans ce contexte, le langage figuratif, c’est-à-dire le recours à des métaphores conceptuelles comme mode créatif de pensée, est une stratégie de communication intéressante: les musiciens et les ingénieurs du son jouent et parlent ensemble. Des associations d’idées, des métaphores et des histoires, qui sont des éléments extra-musicaux, constituent un moyen d’unifier l’équipe temporaire qu’ils forment, avec leurs différents parcours et personnalités. Tous ces éléments constituent un fil rouge pour le discours musical autour du matériel sonore. Ce n’est pas le produit, mais un moyen d’améliorer ce produit.
Parler de son et de musique
Le langage étant un outil destiné à partager des pensées et des sentiments, il corrobore un processus d’apprentissage connu des musiciens: les différents paramètres musicaux d’une production et les relations entre les membres d’une équipe peuvent être discutés de manière informelle. Les paramètres musicaux peuvent être rangés dans deux catégories: d’un côté, les paramètres intrinsèquement liés à la musique, comme les accords, le rythme, la mélodie, etc. et d’un autre côté, les paramètres comme l’intensité, le son, le groove, etc. Ces derniers sont faits d’éléments de la musique qui sont beaucoup moins aisément mesurables et ils sont ressentis par les auditeurs de manière subjective.
Les auditeurs, eux aussi, décrivent leurs expériences d'écoute. Cela requiert d’acquérir un certain vocabulaire. Ainsi, comment un auditeur va-t-il arriver à décrire un son de guitare spécifique? Et comment un guitariste utilise-t-il des métaphores pour décrire des sons à son audience? Il n’est pas sûr que, entendant parler de “son d’ours sauvage”, tous les guitaristes du monde se mettent d’accord pour créer une séquence de son identique, mais dans une petite équipe, un guitariste, un compositeur et un ingénieur du son pourront se mettre d’accord sur ce qu’est, pour eux, un tel son. Ce faisant, ils contribueront à rendre leur production plus originale.
POURQUOI LES COMPOSITEURS DE MUSIQUE POP UTILISENT-ILS LE LANGAGE FIGURATIF POUR ENRICHIR LEUR PRODUCTION MUSICALE?
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LES RELATIONS ENTRE LA MUSIQUE ET LA CULTURE SONT-ELLES FORTES?
D’une culture musicale à une autre
Des études faites par des anthropologues ont conclu que les préférences musicales sont culturelles, et non biologiques. En fait, la consonance et la dissonance sont liées à la connaissance musicale et à l’expérience acquise dans des communautés humaines spécifiques. Ce sont les habitudes, et non pas aux caractéristiques physiologiques, qui explique pourquoi les sons perçus par un ensemble d’auditeurs sont dits agréables à l’oreille, tandis que d’autres sont qualifiés de désagréables.
Il est correct de dire que la biologie prédispose la perception des sons par les oreilles: il n’est pas possible, pour l’oreille humaine, de percevoir tous les sons . Cependant, il n’y a aucune raison biologique qui expliquerait pourquoi un auditeur ou un groupe d’auditeurs trouverait une musique plaisante, tandis qu’un autre la dirait déplaisante. Les goûts relèvent de la culture et c’est pourquoi les définitions de la consonance et de la dissonance ont changé plusieurs fois dans l’histoire de la musique occidentale. Et dans la musique orientale, comme celle de Bali, par exemple, des instruments comme le gamelan ne produisent pas des gammes et des timbres bien fixes. Pourquoi? Tout simplement parce que là-bas, les musiciens et les auditeurs continuent à apprécier les atouts que présentent des différences subtiles au niveau de l’accord des instruments et même, cela va plus loin: accorder un gamelan de la même manière qu’un autre est considéré comme une insulte!
Dans une même culture musicale
Le timbre est un élément musical qui, dans une même culture musicale, définit la consonance et la dissonance. Est-ce que certains auditeurs aiment principalement le heavy métal? A moins qu’il ne développent de nouvelles habitudes d’écoutent, ils ne considèreront probablement pas la musique new age comme étant relaxante. Et vice-versa. Cependant, s’ils prennent le temps de le faire, ils retireront le meilleur de deux styles de musique fort différents. Les compositeurs de musique n’hésitent pas à explorer les matériaux locaux de diverses cultures pour les intégrer dans leurs productions. Ils peuvent ainsi envisager la consonance et la dissonance de diverses manières.
Cela existait déjà à l’époque de The Beatles, qui rendirent leurs sons agréables aux oreilles du public Nord Américain en intégrant des données musicales provenant d’artistes dont ils avaient été précédemment les interprètes, comme par exemple Carl Perkins, Little Richard ou Bob Dylan (dont la musique aurait influencé 'Norwegian Wood'. C’est en partie pour cette raison que, sans aucune éducation musicale formelle, ils arrivèrent à écrire leurs propres hits, dans lesquelles des influences antérieures sont perceptibles. Quant à Paul McCartney, attentif au fait que de nombreux auditeurs appréciaient The Beach Boys, il n’hésita pas à retravailler certaines chansons des Beatles en imitant certains procédés utilisés par les Beach Boys. Ce qui n’enlève rien à la spécificité de chaque titre des Beatles.
LES RELATIONS ENTRE LA MUSIQUE ET LA CULTURE SONT-ELLES FORTES?