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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
Du compositeur à l’auditeur, de la psychologie à la spiritualité, de l’art à la science, découvrez dans la rubrique «La culture musicale dans ses divers aspects» les différentes facettes de la musique de manière insolite, de sa création par le compositeur à la manière dont l’auditeur la perçoit, en lien avec le comportement humain et la conscience. Une place sera aussi faite dans ces rubriques aux questions en lien avec l’éthique.
LA CULTURE MUSICALE DANS SES DIVERS ASPECTS
Au-delà d’une période musicale spécifique et d’un genre précis, jugez du rendu du son dans une composition musicale en utilisant Ymusic, un moteur de recherche musical basé sur des critères musicaux. Utilisez YMusic de manière à recevoir plus aisément de la musique que vous pourriez potentiellement aimer sans devoir passer trop de temps à la chercher.
Quelle performance pour quels auditeurs?
Pendant la périodite dite Baroque, la place dévolue à l’improvisation, pendant une performance musicale, fut fortement réduite. Néanmoins, l’ornementation continua à relevé de l’improvisation et de nouvelles mélodies pouvaient toujours être ajoutées, notamment dans les pièces pour solistes. Jusqu’à une époque récente, la musique était composée pour des interprètes créatifs: une oeuvre musicale n’était pas un produit unifié présentant les mêmes caractéristiques rythmiques et tonales durant chaque performance. Cette liberté, si relative fut-elle en pratique, est redécouverte aujourd’hui. Bien sûr, les interprètes ne transforment pas la structure d’une composition musicale qui n’est pas la leur, mais leur virtuosité rend une performance vivante, quand elle respecte l’esprit de l’oeuvre originale.
Qu’est-ce qui est impliqué, dans l’écoute musicale? Bien sûr, les auditeurs écoutent la performance musicale elle-même, mais ils écoutent aussi les musiciens qui effectuent la performance, ce qui n’est pas exactement la même chose. C’est-à-dire que d’un côté, les auditeurs écoutent une séquence de sons; de l’autre, ils écoutent en quelque sorte une activité, qui est la performance. Certaines pièces musicales invitent à se focaliser davantage sur le contenu de la partition de musique, comme “L’Art de la Fugue”, de Bach; d’autres sont une invitation à l’interprétation personnelle, comme c’est le cas par exemple d’une “Etude” de Chopin ou d’un “Caprice” de Paganini. Dans de telles compositions, le son en tant que son et la performance sont tous deux objets de l’attention de l’interprète et de l’auditeur.
La performance musicale pendant un enregistrement et pendant un concert
Au niveau du son, quand une performance musicale est enregistrée, une question se pose: les auditeurs de musique qui écoutent cette performance enregistrée peuvent-ils en retirer une satisfaction de nature similaire à celle ressentie par ceux qui ont entendu la même pièce lors d’une performance en direct? Le fait que les auditeurs puissent avoir accès à l’acoustique originale d’un morceau est-il important ou non? En fait, écouter un enregistrement qui rend fidèlement des sons tels qu’ils ont été produits durant un concert en direct est, de nos jours, relativement aisé. Dans ce cas, les auditeurs qui écoutent le résultat peuvent juger de la performance telle qu’elle a été réalisée.
Au niveau de l’intégrité d’une pièce musicale, dans des genres comme la musique rock, il y a des limitations et reproduire de manière exacte le son produit durant un concert en direct est plus compliqué. En effet, durant un enregistrement en studio, les pistes séparées sont mixées ensemble, le son étant totalement contrôlé par les ingénieurs du son, ce qui n’est pas toujours le cas pendant une performance hors studio, les principaux éléments sujets au changement se situant au niveau du rendu des instruments solistes et de la voix.
LES AUDITEURS DE MUSIQUE ET L’AUTHENTICITE D’UNE PERFORMANCE MUSICALE
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AUTHENTICITE ET NORME DANS LA PERFORMANCE MUSICALE
Qu’est-ce que l’authenticité, en matière de performance musicale?
La plupart du temps, une performance est dite authentique quand une partition de musique est exécutée “exactement” de la manière dont le compositeur l’a voulu. Cette exactitude n’est pas toujours aisée à définir. Une restitution exacte du contenu d’une partition peut mener à un manque de respect de certaines normes esthétiques fondamentales. Est-il meilleur pour les interprètes d’adopter l’instrumentation de l’époque, lorsqu’ils interprètent des partitions anciennes? En fait, ce n’est pas toujours possible ou souhaitable. Par exemple, Bach a écrit des concertos pour clavecin, mais il n’est plus possible de les jouer de la même manière que la première fois qu’ils furent joués, car les clavecins tels qu’ils étaient à l’époque ne sont plus fabriqués et seuls quelques musiciens savent encore comment utiliser ceux qui restent.
Pendant la période dite Baroque, les partitions de musique étaient moins précises que maintenant: le timbre ou la texture n’étaient pas toujours mentionnés de manière explicite et c’est pourquoi, par exemple, personne ne peut dire avec certitude si les pièces du “Clavier bien tempéré” de Bach ont été, à l’origine, écrites pour clavecin, clavicorde ou orgue. Par ailleurs, pour les pièces de cette période, choisir une fréquence n’est pas aisé, car il n’y avait pas alors de prétention à utiliser une fréquence universelle. Le “standard A”, qui régule l’emploi du diapason, la fixe aujourd'hui à 440 Hertz et les musiciens l’utilisent même pour jouer les pièces de musique ancienne. Même les notes de musique ne furent pas toujours écrites de manière précise: c’est le cas par exemple dans une suite pour violoncelle écrite par Bach. Et la version du “Requiem” de Fauré qui fut joué pendant plus de 80 ans était en partie inauthentique! Enfin, les altérations n’étaient pas toujours indiquées avec précision. Aujourd'hui encore, dans différentes partitions de musique, les marques de tempo peuvent être soit des prescriptions, soit des suggestions.
Authenticité musicale et auditeurs de musique
Les interprètes qui jouent une pièce de musique ancienne évitent de transformer leur performance en documentaire musical: ils veulent à la fois respecter le style original de la musique et partager aux auditeurs une communication musicale qui fait du sens dans leur propre univers sonore. C’est pourquoi ils peuvent utiliser des instruments contemporains. Les compositeurs eux-mêmes ont toujours cherché à innover. Par exemple, Berlioz a facilité l’emploi du saxophone dans l’orchestre. Mozart a retranscrit un air de l’opéra “Le Mariage de Figaro” pour un ensemble à vent et a inséré le résultat dans un autre opéra, “Don Giovanni”.
De nos jours, les compositeurs n’hésitent pas à adapter leur partition, quand les auditeurs leur demandent des changement: c’est ainsi que Aaron Copland enregistra le premier mouvement de son “Concerto pour Clarinette” avec un tempo deux fois plus lent que ce qu’il avait prévu à l’origine. Même Stravinsky, qui était très consciencieux et intrègre, fit cela: il n’hésita pas à opérer 4 changements dans “Le Sacre du Printemps”, de manière à ce que certains instruments soient mieux perçus.
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Quelques exemples anciens de publicités politiques incluant de la musique
Aux Etats-Unis, la musique est utilisée dans les campagnes politiques radiophoniques et télévisuelles de manière efficace depuis 1952, année durant laquelle Rosser Reeves, manager dans le domaine de la publicité, supervisa la création visuelle de ‘I like Ike’, pour le candidat aux élections Dwight D. Eisenhower. ‘I like Ike’ est, pour l’essentiel, une animation de 1 minute accompagnée par un jingle dont les paroles sont chantées par Irving Berlin, le tout voulant créer dans le chef de l’auditeur de l’émotion, afin qu’ils aient un attachement personnel pour l’objet de la publicité, en l’occurrence, le candidat à l’élection. Qu’est-ce qui était innovant, dans cette musique? Probablement la présence d’un ostinato et la répétition de ‘Ike for President’. D’un autre côté, la publicité en question rencontrait les règles du genre, puisque toutes les publicités diffusées à la télévision avaient des jingles.
En 1960, un jingle publicitaire fut composé pour John Fitzgerald Kennedy. Nixon, Ford et Regan, eurent eux aussi leurs jingles. La publicité composée pour Reagan en 1984, ‘Bear’, montrait bien évidemment un ours, auquel Reagan était comparé de manière flatteuse. Dans d’autres publicités de la même époque ou de l’époque suivante, on trouva moins de jingle, la musique affectant les auditeurs de manière plus subtile. Une autre publicité fut ainsi réalisée pour la campagne de Reagan en 1984: ‘It’s morning in America again’. L’auditeur de musique ici est davantage une musique de fond, l’histoire étant mise à l’avant-plan et narrant la journée idéale de l’Américain moyen au temps de Reagan. Pour l’anecdote, le groupe (‘Tuesday Team’) qui écrivit la musique de cette publicité travailla gratuitement: ils voulaient juste Reagan comme Président.
Comment la musique est-elle utilisée dans la publicité politique aujourd’hui?
Dans la publicité politique, la musique est un support et sa raison d’être est d’induire certaines réponses de la part de l’électorat. Comme dans le cas des jingles en général, est-ce que l’accord majeur y est lié à l’apparition d’un sentiment positif, tandis que l’accord mineur veut susciter le trouble? Ce n’est pas aussi simple.
Par exemple, une publicité écrite pour la campagne de Bush en 2004, ‘Wolves’, présente une musique de fond qui inclut des rythmes similaires à deux de la musique dite ‘Native American music’. Une voix explique que le dernier gouvernement a coupé des budgets en lien avec la sécurité en Amérique. Quel genre d’impression cette publicité veut-elle créer? Le texte est, clairement, une invitation à la peur et évoque le souvenir de guerres anciennes. Néanmoins, en elle-même, la musique ne contient pas d’éléments de nature à induire cette peur: on ne trouve pas, par exemple, ce haut degré de randomité présent dans les morceaux écrits par exemple pour des films d’épouvante.
MUSIQUE ET PUBLICITE POLITIQUE: QUELLE PLACE POUR L’INTEGRITE MUSICALE?
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Les liens naturels entre musique et textes
Le compositeur et chef d’orchestre Léonard Bernstein a un jour donné une conférence pour expliquer comment musique et langage sont reliés. Il avait choisi de présenter le point de vue de Chomsky, comparant la grammaire musicale et celle du langage. Par ailleurs, de nombreux chercheurs dans le champ de la psychologie musicale ont écrit des thèses expliquant la nature des relations entre la musique et le langage dans ses aspects anthropologique, social et psychologique.
Le fait est que le discours humain a une certaine musicalité et que les animaux, qui ne parlent pas ou ne chantent pas de la même manière que le font les êtres humains, produisent cependant des sons qui peuvent être qualifiés de musicaux. Toutes les études faites dans le champ des sciences humaines sont à la croisée de la linguistique, de la musicologie et de la psychologie évolutionniste. Elles tendent à prouver qu’il est naturel que la musique ait évolué avec l’humanité et qu’elle n’ait pas disparu, précisément parce que, étant proche du langage, elle épouse un attribut fondamental de l’être humain.
Généralement, ces idées sont les bienvenues dans tous les clans de l’industrie musicale: elles sont éminemment culturelles, elles assurent la promotion d’un amour général pour la musique au niveau global, comme au niveau local, c’est tout spécialement vrai pour toutes les variétés répertoriées sous l’étiquette de “musique du monde”, qui est purement culturelle et recouvre en fait un grand nombre de musiques de tout style, de toute époque et de tous lieu.
Est-ce que la musique peut être séparée des paroles?
Dans la musique populaire, il est virtuellement impossible, quand il y a des paroles, de les séparer de la musique. Elles attirent l’attention de l’auditeur autant que la musique en elle-même, dans beaucoup de cas. Cela est d’ailleurs, dans certains cas, une source de problèmes, quand les paroles ne sont pas considérées comme convenables pour les enfants et les adolescents. Les parents et les activistes investis dans le domaine éducatif peuvent alors réagir fortement, avec plus ou moins de succès. Cette situation est malheureusement assez commune.
Cependant, il y a des cas plus surprenants d’interférence entre les paroles et la musique. Des cas pratiques. Par exemple, en 2015, un album musical écrit par un compositeur de musique produisant des morceaux de salsa a été exclu d’une compétition parce qu’il contenait trop de titres dont les paroles étaient en anglais. Aucun élément musical ne fut pris en ligne de compte. Ceux qui organisaient le concours ne virent qu’une chose: l’album ne contenait pas assez de textes écrits en espagnol ou en portugais. Bien évidemment, chaque comité organisateur a le droit de fixer ses propres règles, néanmoins, ce cas est significatif car il montre que la qualité de la musique est trop souvent dévalorisée, par rapport à des critères strictement culturels.
Pour les auditeurs, cela signifie qu’ils peuvent ne pas être informés de productions musicales originales juste à cause d’une question en lien avec la culture. Il y a heureusement des cas où la musique populaire conserve le droit de s’exprimer et invite l’auditeur à se centrer sur la musique en elle-même.
EST-CE QUE LES COMPOSITEURS DE MUSIQUE ET LES AUDITEURS SE CONCENTRENT AISEMENT SUR LA MUSIQUE A LA PLACE DES PAROLES?
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QU’EST-CE QUE L’INTEGRITE, DANS LE DOMAINE DE LA PRODUCTION MUSICALE?
Une question d’attitudes et de compétences
L’intégrité est l’ensemble des comportements et des attitudes montrant l’honnêteté et les principes moraux forts d’un individu. Cette notion est en lien avec d’autres telles que l’éthique, l’honnêteté et la véracité. Elle suppose généralement de la cohérence entre les principes et les actes d’une personne. La problématique de l’intégrité peut susciter de nombreuses questions, en rapport avec les groupes dans lesquels un individu évolue. Dans le champ de la musique, elle a différentes formes, en fonction de l’aspect qui, dans le cadre de l’industrie, est touché.
Pour l’avocat qui travaille avec des agents de l’industrie musicale tels que des labels ou des associations de musiciens, il s’agit de faire en sorte que les droits et les revenus des uns et des autres soient répartis de manière équitable. Etablissant des contrats, ils doivent connaître toutes les données économiques en lien avec la production et la distribution de musique, les nouvelles technologies et le phénomène du piratage. Pour les labels musicaux, la question de l’intégrité est en lien avec le contenu d’une musique, les techniques de marketing et la qualité de leurs relations avec les compositeurs de musique et les interprètes. Pour les enseignants et les éducateurs, l’essentiel réside dans le fait d’assurer la transmission du savoir musical d’une manière qui corresponde aux besoins des futurs compositeurs et interprètes, mais aussi à ceux de leurs futurs employeurs, qu’il s’agisse d’institutions ou de sociétés privées.
Intégrité et composition musicale
Tous les acteurs impliqués dans l’industrie musicale ont leurs vue concernant ce qui, pour eux, est l’intégrité. Les exemples des avocats, des labels et des enseignants montrent que cette intégrité est, inmanquablement, incarnée dans des aspects spécifiques de la culture humaine. Parfois, ces aspects semblent contradictoires, d’autant plus que chacun définit l’intégrité de manière différente. Aussi n’est-il pas toujours possible de déterminé ce qu’est, de manière universelle, l’intégrité. La plupart du temps, un auteur-compositeur interprète et un label n’ont pas la même définition de ce qu’est une transaction équitable.
Maintenant, qu’en est-il de l’intégrité par rapport au contenu musical lui-même? Il s'agit avant tout de fidélité à un but. Pour les enseignants en musique de l’école primaire, le dévouement à la musique suppose que les enfants puissent ressentir la présence de la musique, l’apprécier et en faire un peu, de manière rudimentaire. Pour les professeurs de musique investis au niveau du conservatoire, le but est d’enseigner des compétences spécifiques et un sens de l’esthétique d’une manière qui soit honnête et aussi respectueuse du développement des étudiants, les initiant à une large variété d’expériences musicales. Ces enseignants forment leurs étudiants pour la performance comme pour la composition, facilitant l’acquisition d’un répertoire et rendant la répétition avenante. Pour les compositeurs de musique déjà en activité, l’intégrité est reliée au fait de suivre leurs propres visions musicales. Ils connaissent un large éventail de techniques de composition et veulent l’appliquer d’une manière qui est individuelle, enrichissant leur art. Ce qui n’empêche pas les compositeurs de renouveler leur art quand ils le souhaitent: le soi évoluant, l’intégrité aussi l’épouse.
QU’EST-CE QUE L’INTEGRITE, DANS LE DOMAINE DE LA PRODUCTION MUSICALE?
MUSIQUE ET ETHIQUE