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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
Du compositeur à l’auditeur, de la psychologie à la spiritualité, de l’art à la science, découvrez dans la rubrique «La culture musicale dans ses divers aspects» les différentes facettes de la musique de manière insolite, de sa création par le compositeur à la manière dont l’auditeur la perçoit, en lien avec le comportement humain et la conscience.
LA CULTURE MUSICALE DANS SES DIVERS ASPECTS
Au-delà d’un genre musical spécifique, découvrez comment les compositeurs et les interprètes donnent vie à la musique via Ymusic, un moteur de recherche musical basé sur des critères musicaux. Utilisez YMusic de manière à recevoir plus aisément de la musique que vous pourriez aimer sans devoir passer trop de temps à la chercher.
Comment l’auditeur de musique co-crée la musique avec les interprètes
Ecoutant une pièce de musique écrite par un orchestre, que veut l’auditeur? Etre capable de percevoir la 3e flûte? Un contexte général? Cela dépend de l’auditeur. Cependant, il y a une correspondance entre ce que les auditeurs entendent et leurs attentes par rapport à la musique. Par exemple, si une quinte musicale, qui est de nature à se faire remarquer, crée un impact dans l’esprit de l’auditeur, c’est aussi parce que celui-ci se laisse toucher par elle.
La relation associant le son et l’être intérieur de l’auditeur est ce qui rend la musique possible. Les êtres humains perçoivent la réalité de manière individuelle et, chaque jour, ils sont occupés, essayant de créer des points entre des pensées variées et ce qu’ils perçoivent à travers leurs différents sens. Aussi, dans le cas de la musique, créer des significations est comme faire un puzzle: l’environnement et l’esprit de l’auditeur produisent pièces que l’auditeur doit agencer de manière adéquate.
Durant une performance, les oreilles des auditeurs perçoivent séparément des éléments qu’ils assemblent durant l’entièreté de cette performance. Le sens de l’ouïe les aide à jouer leur rôle de co-créateur de la musique, certaines compositions et performances offrant un espace plus vaste que d’autres. Ecoutant la musique, les auditeurs essaient d’en discerner les contours, pendant que leur subconscient est touché, lui aussi.
Le contact direct avec la musique
Les auditeurs sont co-créateurs de musique quand ils entrent directement en contact avec elle pendant la performance, écoutant des sons librement, d’une manière qui n’est pas influencée par des préjugés relatifs au phénomène de l’écoute musicale. Ils peuvent y arriver parce que le contact réel avec la musique est quelque chose de naturel à l’être humain, si naturel qu’il remonte à la Préhistoire. Le chef d’orchestre et les interprètes sont d’ailleurs eux-mêmes attentifs à leur être intérieur, quand ils jouent et c’est d’ailleurs pourquoi ils peuvent éveiller ce qui est latent dans le coeur de l’auditeur, au niveau de la perception de la musique elle-même.
La réalité sonore est une réalité interactive. Comme une peinture doit être vue par des spectateurs pour être une peinture, les sons doivent être entendus, pour être des sons. Tout comme les pigments d’une toile, la manière de les percevoir n’est pas monolithique, elle varie en fonction de la pièce de musique, des interprètes et des auditeurs et aussi, bien sûr, du lieu et du moment. C’est pour cela qu’une même musique pourra émouvoir certains auditeurs et pas d’autres et qu’une même pièce de musique écoutée par un même auditeur à deux moments différents pourra produire des effets différents.
Sens de l'ouïe et conscience musicale
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COMMENT LES TONS D’UNE MUSIQUE PEUVENT-ILS REVELER AUX INTERPRETES ET AUX AUDITEURS LEUR PROPRE SENSIBILITE MUSICALE?
Que sont les tons de la musique?
Lors d’une performance, un chef d’orchestre se déplace dans une salle de concert, mais aussi dans le cosmos. Et il dessine autour de lui un univers musical individuel de manière à ce que la musique puisse en quelque sorte apparaître à tous, dans le présent et dans un espace spécifique. Ceci dit, ils ne font pas tout, ils créent des horizons et laissent la musique elle-même évoluer, en faisant confiance aux interprètes.
Ceux-ci ne font plus que jouer des notes correctes et de bonnes intonations. Ils font plus que de bonnes entrées en scène. Les notes de musique et les symboles fournissent le matériel élémentaire de la musique, mais le chef d’orchestre la rendent vivante. Pour cela, ils travaillent beaucoup afin de trouver leur propre inspiration et apporter une toute petite pincée d’improvisation. Ce faisant, et parfois en suivant des indications données par le compositeur, ils lui donnent un certain ton (‘mood’).
Pourquoi est-il essentiel que les auditeurs eux aussi donnent un ton à la musique?
Qu’il s’agisse du ton qu’un compositeur donne à la musique en fonction de ses humeurs personnelles ou en fonction d’une idée cérébrale qu’il a à ce sujet, le ton donne en quelque sorte son esprit à une pièce de musique. Une pièce de musique écrite peut inclure une ou plusieurs indications à ce sujet, cependant, ces indications sont souvent conventionnelles. Elles ne font que donner quelques indices aux interprètes et ceux-ci doivent examiner eux-mêmes ce qu’ils ressentent afin de leur donner un sens.
Pourquoi est-ce que les compositeurs donnent un ton à une partition de musique? C’est simple: cela les aide à parler de la musique en des termes qui sont familier à la psychologie humaine. Il y a une longue liste de mots d’origine italienne qui peuvent être utilisés pour ce faire. Certains sont bien connus: con brio (avec brillance), con moto (avec mouvement), grazioso (grâcieusement), scherzando (sur un ton ludique), vivace, etc. Tous permettent au chef d’orchestre et aux interprètes d’apporter leur touche d’originalité à l’interprétation de la partition.
Les mélodies en elles-mêmes peuvent induire des humeurs dans l’esprit des auditeurs: dans un parc d’attraction, tout qui visite l’incontournable maison hantée ne va pas manquer de ressentir la musique qu’on y joue comme effrayante, exprimant le tourment ou la détresse. De temps à autre, une vidéo associée à un titre de musique populaire va créer le même effet: un paysage naturel d’Asie, par exemple, accompagnera de manière idéale une musique véhiculant un message en lien avec la sérénité et la paix. Toutes ces indications sont culturelles et non musicales, mais elles contribuent également, dans une certaine mesure, à donner vie à la musique et à connecter les auditeurs à ses propres humeurs.
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Chercher comment donner vie à la musique en se rendant disponible
Quand les interprètes jouent une pièce de musique, ils sont dans les trois dimensions du temps: ils recréent le passé dans le présent de manière à assurer le futur. Leurs instincts de création sont intéressés par le fait de créer quelque chose de nouveau. Quand ils sont exposés à un défi, ils réveillent leurs instincts créatifs: ils se servent des impulsions naturelles qui les animent pour donner une forme particulière à la musique qu’ils interprètent, étant accompagnés dans cette tâche par le chef d’orchestre, lorsqu’ils jouent dans un orchestre.
Pour ce faire, ils doivent se détacher de leurs performances passées, de manière à être pleinement disponibles pour celle qui est en cours. Et c’est plus évident quand ils ont des aspirations, par rapport aux auditeurs et aussi par rapport à la musique elle-même, bien sûr. En effet, comme il y a des dizaines ou des centaines de questions à poser à une personne pour mieux la connaître, il a de nombreux moyens de questionner une partition de musique, en fonction de sa propre expérience musicale.
Trouver un moyen de faire s’exprimer une partition
Par exemple, lorsque des interprètes s’approprient une partition de musique, ils ne lui donnent pas une couleur sonore de la manière dont on mettrait du vernis à ongles. Ils l’intègrent directement dans la structure et c’est l’ensemble, l’exécution de la structure et la capacité à donner une couleur sonore à la pièce, qui rend la musique vivante. Une fois que cette cible est atteinte, l’auditeur de musique qui fait preuve de discernement le perçoit et, en conséquence, la performance le satisfait, parce qu’elle n’est pas uniquement basée sur une approche intellectuelle: à cause de l’interprétation personnelle, l’essence de la pièce de musique devient palpable et l’auditeur peut établir un lien personnel avec la musique, simplement en écoutant.
Cela ne signifie pas que toute connaissance à propos de la musique doit être mise de côté, lors de l’écoute d’une pièce de musique, mais le savoir musical reste en quelque sorte subsidiaire à la musique elle-même. Durant une performance, les interprètes, en s’investissant au-delà de la structure musicale, aident les auditeurs à trouver une manière personnelle d’entrer dans la musique.
FAIRE ET ECOUTER DE LA MUSIQUE DE MANIERE PALPABLE
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Nourrir la performance et l’écoute musicale
Parfois, quand des interprètes commencent à jouer une musique, ils sentent qu’ils doivent être particulièrement attentifs et qu’ils peuvent jouer le sort de la pièce de musique en question. Au début d’une performance, il y a alors une sorte de “Big Bang musical”: c’est le prélude à un déploiement ultérieur. Ils sentent que le son remplit la pièce dans laquelle ils se trouvent et sont prêts à tout miser sur le début de la performance, parce que cela va porter la totalité de celle-ci.
De cette manière, les interprètes font une espèce d’investissement psychologique. Pourquoi? C’est aisé à comprendre: en matière de musique, comme en tout autre matière, il y a de nombreuses occasions de baisser les bras, de se décourager ou encore de faire les choses de manière machinale. Cela ne veut pas dire que rien ne va advenir ou que ce qui va advenir va être mauvais, mais le travail réalisé ne sera pas vraiment significatif. Dans le cas d’une performance musicale, on pourra par exemple trouver des performances assez anodines. A d’autres moments, les interprètes, désireux de donner plus d’élan à leur performance, vont réfléchir à ce qu’ils veulent transmettre et à la manière de le faire, exactement.
Performance musicale et écoute musicale, un risque calculé
Les interprètes de musique, quand ils sont dans de bonnes conditions pour laisser la musique advenir librement, prennent un risque, mais quand ils y arrivent bien, ils font sentir à l’auditeur à quel point la musique peut être vivante. Pour cela, ils se vident en quelque sorte, sinon de leur ego, du moins de leurs appréhensions. Et quand les auditeurs font de même, ils peuvent commencer à apprécier les subtilités de la musique qui est jouée.
Inclure l’émotion, en musique, est nécessaire. Cependant, il ne s’agit pas, pour les interprètes, d’improviser n’importe comment, mais de prendre des risques calculés. Les auditeurs, aussi bien que les interprètes, peuvent le faire. Dès lors, ils deviennent actifs et contribuent à donner du sens à la musique qui est jouée pour eux. Pour ce faire, tous peuvent impliquer leur corps: les interprètes peuvent jouer avec leurs bras et avec leurs épaules et les auditeurs écouter avec leurs oreilles et aussi avec leurs pieds.
OUVRIR SES OREILLES ET LAISSER ADVENIR LA MUSIQUE
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DEVELOPPER UNE SENSIBILITE A LA MUSIQUE
Caractère unique de la musique et performance
Chaque fois qu’une pièce de musique est jouée, c’est avec une sensibilité particulière et, même s’il y a une partition de musique comme support, il y a toujours une place pour l’apport personnel de l’interprète. La musique est toujours jouée en vue de toucher le présent de quelqu’un. L’improvisation intensifie le caractère unique de la performance musicale, par exemple quand le seul élément stable en est une gamme, parfois choisie parmi des centaines d’autres, comme c’est le cas par exemple dans la musique orientale. Chaque gamme de musique a, pour les musiciens, une qualité émotionnelle unique, singulière. Sentant la profondeur inhérente aux sons de la gamme choisie, l’interprète peut développer un haut niveau de sensibilité à la musique.
En-dehors de ce cadre, la sensibilité musicale peut se déteriorer. Pourquoi? Parce qu’il y a alors une certaine standardisation de la performance qui, qu’elle ait lieu dans un concert en live ou dans un studio d’enregistrement, peut empêcher d’accéder à une grande variété d’interprétation d’un même morceau. Ecoutant des enregistrements anciens d’une même pièce par un même interprète, des musicologues ont constaté que chacun d’eux était unique. Pour les interprètes, il s’agit de trouver une manière de travailler de manière libre, en tenant compte des enseignements qu’ils ont reçu, mais en jouant la musique en fonction de leur propre sensibilité, prenant en compte le moment présent, le lieu où ils jouent et, quand c’est possible, la spécificité de l’audience.
Trouver des espaces de liberté
Bien sûr, aussi bien pour les interprètes que pour les auditeurs, il est très utile d’écouter de la musique en register, pour découvrir des éléments fixes d’un titre comme l’harmonie ou les mélodies. Cependant, la singularité de chaque interprétation peut être prise en compte si l’auditeur est réellement attentif à la musique. Alors, l’écoute est réellement vivante. La musique peut être jouée et entendue de telle manière qu’elle renouvelle totalement le soi. Il peut être intéressant de connaître la manière dont Mozart ou Beethoven percevaient leur propre musique, mais dès que des interprètes jouent une musique, cette musique devient leur musique et il en va de même pour les auditeurs.
Pour s’approprier la musique de manière plus intérieure, les auditeurs n’ont pas besoin de permission. Cependant, ils doivent s’extraire du moule dans laquelle la musique a été coulée, ces dernières années, qui la réduit à une commodité qui sert d’accompagnement quand les consommateurs font du shopping, par exemple. La musique peut être bien plus et elle peut offrir aux auditeurs des espaces de liberté.
DEVELOPPER UNE SENSIBILITE A LA MUSIQUE
MUSIQUE ET SENSIBILITE. L'OUIE ET LE CORPS