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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
LES LIBERTES ET RESTRICTIONS DES COMPOSITEURS DE MUSIQUE DANS L’INDUSTRIE MUSICALE
Du compositeur à l’auditeur, de la psychologie à la spiritualité, de l’art à la science, découvrez dans la rubrique «La culture musicale dans ses divers aspects» les différentes facettes de la musique de manière insolite, de sa création par le compositeur à la manière dont l’auditeur la perçoit, en lien avec le comportement humain et la conscience. Une place sera aussi faite dans ces rubriques aux questions en lien avec l’éthique.
LA CULTURE MUSICALE DANS SES DIVERS ASPECTS
Au-delà de tout genre musical spécifique, découvrez l’originalité des divers rythmes musicaux en utilisant Ymusic, un moteur de recherche musical basé sur des critères musicaux. Utilisez YMusic de manière à recevoir plus aisément de la musique que vous pourriez potentiellement aimer sans devoir passer trop de temps à la chercher.
QUE FONT LES COMPOSITEURS DE MUSIQUE POPULAIRE POUR QUE LEUR PRODUCTION MUSICALE PUISSE ETRE DECOUVERTE AU NIVEAU GLOBAL?
La question de l’harmonisation de la musique locale
Il est possible pour les artistes de créer des chansons de folk dans un style de musique qui est local en trouvant les architectures sonores et les rythmes fondamentaux qui sont reconnus comme étant ceux de leur culture locale. Ensuite, à l’aide de la technologie, ils peuvent partager les résultats améliorés à un niveau qui peut être dit global. Cela n’aide pas toujours les compositeurs à atteindre des auditeurs du monde entier, mais ils entrent en contact avec plus d’auditeurs locaux.
Les chansons de folk ont leurs gammes spécifiques, qui ne sont pas celles de la musique classique, par exemple. C’est pourquoi la question de l’harmonisation, quand il s’agit du folk, a son importance et quand des musiciens de folk veulent être connus en-dehors de leur scène locale ou de leur genre spécifique, ils s’efforcent d’y répondre. Et cette question mène à une autre: comment les compositeurs de musique gèrent-ils avec les réalités liées à la commercialisation de leur musique? Certains artistes ne veulent pas faire de concessions, tandis que pour d’autres, cela ne pose aucun problème: ils acceptent volontiers de changer légèrement le contenu de leur musique en vue d’atteindre des audiences plus vastes. Ni les uns, ni les autres, n’ont tort ou raison: chaque compositeur est libre d’agir comme il le souhaite quand il décide de créer de la musique, que ce soit en matière de composition ou dans le champ du marketing.
Nouveauté musicale ou non?
Qu’en est-il du fait de préserver une tradition musicale? Ce besoin peut naître du fait que, au niveau local, les musiciens qui jouent du folk ne sont pas si nombreux. Dans ce cas, la question de l’intégrité musicale prend une autre forme: il peut s’agir de préserver un instrument ou une forme spécifique d’harmonie et la place pour la créativité personnelle du musicien qui choisir de conserver ce patrimoine va forcément être limitée. Dans d'autres contextes, la musique folk du lieu va fusionner librement avec des rythmes, accords, mélodies et harmoniques qui sont reconnus par un nombre important de gens, au niveau global, de manière à créer une nouvelle identité musicale unique, sans avoir aucunement l’impression de faire un sacrifice.
Aidant à propager la connaissance de l’héritage musical local sans être submergée par la nouveauté induite par la technologie ou les méthodes individuelles de composition, la nouvelle musique va représenter quelque chose aussi bien pour une communauté locale d’auditeurs que pour ceux qui sont en-dehors de cette communauté. Des exemples de succès au niveau international sont nombreux, au-delà de la musique folk, d’ailleurs. Par exemple, le chanteur de latin pop Ricky Martin dit qu’il a été influencé par divers genres de musique du monde (boléro, merengue ou salsa).
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Aller au-delà du jugement de valeur
La musique est à la fois un art et un divertissement. En elle-même, elle n’est jamais pompeuse. Cependant, nous entendons de nombreux jugements de valeur en lien avec la musique. Une partie de la production musicale relève, dit-on, de la haute culture, tandis que le reste ne serait que des assemblages de sons destinés à des masses ayant peu de goût. C’est pourquoi, par exemple, on trouve fréquemment des déclarations affirmant que la musique populaire, de la pop à la musique électronique, est une musique pour un grand public sans formation. Au contraire, la musique classique, notamment l’opéra, serait la musique des élites. Ce genre de stéréotypes culturels oublie que, par exemple, il y a à peine quelques siècles, l’opéra était la source du “top 50” de l’époque.
Ce n’est pas tout: dans les genres dits populaires aussi, une ségrégation existe: de la musique écrite par un groupe comme Aphex Twin peut être dite excellente par des auditeurs qui mépriseront des artistes comme David Guetta. Or, ce genre de propos relève du jugement d’opinion. Nous ne leur accordons pas de crédit, mais nous sommes bien forcés de constater qu’ils sont fréquents. Pourquoi? Musicalement parlant, ils sont formulés hors contexte et en conséquence, ils n’ont aucune valeur sur le plan musical.
Certaines évaluations peuvent paraître pertinentes, tout en ne l’étant pas. C’est ainsi que certaines chansons populaires sont dites mauvaises du seul fait que leur interprète n’en est pas le compositeur. Musicalement parlant, cela n’a aucun sens: la majeure partie de la musique classique, de nos jours, est interprétée par des musiciens qui n’en sont pas les compositeurs. La musique peut encore être sous-évaluée parce qu’elle est produite par une corporation, cependant, en soi, cela ne veut rien dire, notamment parce que ses auditeurs peuvent apprécier cette musique aussi bien que celle d’artistes indépendants qui ne sont pas très connus. Popularité n’est en conséquence pas synonyme de médiocrité.
Ecouter la musique de manière critique
Quand les auditeurs de musique disent que certains sons les interpellent plus que d’autres, il ne s’agit pas d’un jugement d’opinion visant à dénigrer ce qu’ils n’aiment pas. Se situant sur le plan de l’appréciation musicale, ces auditeurs, qu’ils aient une formation musicale ou non, se proposent de mettre en valeur leurs goûts personnels pour eux-mêmes, laissant aux autres le droit de préférer autre chose. Ils font preuve de sens critique dans le contexte de l’écoute musicale. N’essayant pas d’imposer leurs vues, n’excluant pas ce que les autres aiment, ils évitent tout simplement des conflits ennuyeux avec d’autres auditeurs et ils épargnent plus de temps pour écouter plus de musique qu’ils aiment. Après tout, qu’est-ce qui est le plus important? N’est-ce pas de trouver de la satisfaction à écouter de la musique? Même si, bien sûr, les partages faits avec respect sont toujours les bienvenus.
QUE PEUVENT FAIRE LES MUSICIENS ET LES AUDITEURS POUR EVITER LES JUGEMENTS LIES A LA CLASSIFICATION PAR GENRES MUSICAUX?
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Quels sont les éléments qui font fusionner la musique classique et les genres populaires?
La première, parmi les formations de ‘classical pops’, s’appelle The Beatles. En effet, à quoi durent-ils d’abord leur succès? Précisément au fait qu’ils faisaient fusionner la musique classique et la musique populaire et ce de différentes manières, notamment en écrivant des arrangements de rock en les combinant à une ornementation de forme classique. Ou encore en mixant le timbre classique avec des rythmes contemporains. Ce genre de travail se fait encore aujourd’hui. A chaque génération, diverses formations établissent des liens harmonieux entre la musique classique et les genres populaires, pour le plus grand bonheur de nombreux auditeurs.
C’est ainsi que Rondo Veneziano, un orchestre de chambre qui était connu dans les années 1980, contribua à présenter la musique classique à un public plus vaste en l’adaptant aux goûts populaires. Dans sa structure, la musique de Rondo Veneziano est similaire à celle de Vivaldi, mais retranscrite dans des formes modernes, notamment via l’inclusion de ‘staccati’ et d’arpèges ou encore d'accords de rock. Cette musique est jouée par des instruments classiques, mais aussi des synthétiseurs, des guitares électriques et des percussions. Au début de sa carrière, Rondo Veneziano était vraiment fort proche de la musique classique, ne produisant que des pièces de musique ayant strictement la forme d’un rondo, soit construites via des rotations successives autour d’un même thème. Ensuite, ils prirent des libertés et laissèrent s’exprimer leur créativité. Avec succès: ils produirent 70 albums en 30 ans.
Chansons populaires et formes classiques
Il est désormais fréquent, parmi les musiciens classiques, d’intégrer des éléments provenant des genres populaires en vue de créer de nouvelles pièces musicales. Il peut même arriver qu’ils veuillent retranscrire des pièces entières provenant du répertoire populaire dans des structures classiques. Ce faisant, ils contribuent à redéfinir les possibilités de la musique classique, au niveau musical et aussi au niveau culturel. Comme tous les inteprètes, ils décident ce qu’est pour eux de la bonne musique en se basant sur ce qu’ils ressentent le plus intensément quand ils effectuent une performance. Comme les auditeurs, ils peuvent décider avec leurs oreilles et avec leur coeur ce qui les fait se sentir bien.
En fait, d’une manière générale, les personnes qui n’étudient pas la musique classique de manière formelle ont souvent du mal à l’apprécier: l’époque, les lieux et les environnements du monde du classique ne leur parlent pas. Cependant, quand ces mêmes personnes découvrent que des chansons populaires qu’ils aiment sont jouées par des musiciens classiques, ils veulent écouter le résultat, parce qu’un effort a été fait pour faire référence à leur propre culture musicale. Un tel travail de retranscription a notamment été fait par le pianiste classique Christopher O’Riley, qui a adapté des chansons écrites par Radiohead notamment. Comment travaille-t-il? Il a expliqué que, écoutant ‘Thinking about you’, de Radiohead, il a tout d’abord essayé de mettre au point une méthode lui permettant d’établir des liens entre la manière dont les sons de la guitare électrique peuvent y être perçus et ce qu’il connaît de la guitare classique.
DE LA MUSIQUE CLASSIQUE A LA POP ET DE LA POP AU CLASSIQUE
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QUE FONT LES INTERPRETES DE MUSIQUE CLASSIQUE POUR PARTIR A LA RENCONTRE DE LA MUSIQUE POPULAIRE?
Rythme et voix
Les musiciens populaires, jouant notamment de la musique pop, rock ou jazz, ne s’expriment pas, sur le plan rythmique, de la même manière que les interprètes de musique classique. En partie parce qu’ils jouent sous la direction d’un chef d’orchestre, ces derniers réagissent au tempo, alors que les musiciens populaires ressentent ce tempo. Quand ils apprennent à ressentir le rythme comme les interprètes de musique populaire, les musiciens classiques peuvent le découvrir dans sa totalité et ils deviennent moins dépendants d’un chef d’orchestre. Dans ce cas, celui-ci est d’ailleurs plus en phase avec les musiciens. Cela arrive notamment quand les uns et les autres jouent des ‘classical pops’, des chansons populaires jouées avec des instruments classiques et qui invitent tout naturellement les musiciens classiques à ressentir le rythme de l’intérieur.
Une autre différence entre la musique classique et populaire est la manière dont la voix des chanteurs s’y pose. Le chant classique réclame une diction excellente. Même si, par exemple dans l’opéra, les paroles ne sont pas toujours clairement perçues par les auditeurs, chaque son, chaque voyelle, est chantée d’une manière codifiée qui laisse peu de place à l’improvisation. Au contraire, dans la musique populaire, les mots peuvent être transformés pour rentrer dans la dynamique d’un morceau de musique. Un ‘yes’ peut devenir un ‘yeah’, un ‘and’ est abrégé en ‘n’, etc. Il s’agit de mettre l’accent à la bonne place. C’est pourquoi le chanteur qui a une formation classique a tendance à modifier légèrement les consonnes et les voyelles, quand il chante un titre populaire: au début d’une chanson, ‘You’ peut être changé en ‘n’You’, pour mettre l’accent sur le mot ‘you’ plutôt que sur le mot suivant. Une consonne nasale est ajoutée devant la voyelle initiale, tout simplement.
Arrangements
Produire un concert de classical pops suppose de prendre les rythmes et les accents de la musique populaire en compte et de faire en sorte que les sons populaires prennent une coloration classique en les arrangeant, ce qu’arrivent par exemple à faire les musiciens classiques qui ont déjà l’habitude de jouer de la musique de fond lors de concerts donnés par des compositeurs de musique électronique (notamment ceux qui ont choisi les instruments à cordes). A l'inverse, des musiciens individuels qui ont une formation classique à l’origine, comme Céline Dion, arrivent à incorporer totalement les manières populaires d’exprimer le rythme dans une musique dont les tonalités restent fort proches de celles de la musique classique. ‘All by myself’, interprété par cette chanteuse et dont la musique est fortement inspirée par le ‘Concerto n°2’ de Rachmaninoff, en est un exemple. Cette influence classique peut être perçue dans le travail de Sting également: la musique de ‘Russians’ est ainsi basée sur l’air ‘Romance from Lt. Kije Suite’, composé par Prokofiev.
QUE FONT LES INTERPRETES DE MUSIQUE CLASSIQUE POUR RENCONTRER LA MUSIQUE POPULAIRE?