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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
POURQUOI LA MUSIQUE? ESSAIS DE QUALITE SUR L’ECOUTE MUSICALE POUR NOS LECTEURS
La composition et la pratique musicale sont-elles au coeur de votre profession? Que ce soit le cas ou non, vous pouvez tester et accroître vos compétences en matière d’écoute musicale dans une application qui repose sur une une théorie musicale: le moteur de recherche YMusic. Essayez YMusic, votre assistant personnel gratuit (il inclut des critères musicaux pour sélectionner la musique). Il vous aidera!
QUELLES SONT LES MANIERES D’ECOUTER DES MUSICIENS?
Ecoute musicale et sens critique
L’entraînement en vue d’acquérir des compétences d’écoute musicale, dans le contexte de l’éducation musicale avancée, est une partie importante d’un champ nommé “entraînement auditif” (‘aural training’), “écoute structurelle” (‘structural hearing’) ou “analyse auditive” (‘aural analysis’). Dans ce contexte, l’écoute est bien évidemment une écoute attentive à la musique elle-même, aux éléments qui composent la musique. Cette écoute est par ailleurs mise en lien avec des théories relatives à l’écoute musicale, certaines adoptant une approche analytique, d’autres étant basées sur une mise en perspective des émotions. Cela fait émerger une question: est-ce que les musiciens professionnels lient toujours leur savoir musical à toutes les situations d’écoute musicale auxquelles ils sont confrontés?
L’écoute musicale est l’une des activités humaines les plus privées, dans la mesure où ce qui est perçu et pensé par un auditeur individuel n’est pas perceptible par d’autres gens. De ce point de vue, l’écoute musicale suppose une audition interne, soit une attitude passive. L’écoute musicale peut aussi inclure une attitude critique qui tient lieu de réflexion sur la musique. L’écoute critique est une sorte d’écoute active qui aide les auditeurs à devenir des “auditeurs intelligents”, comme dit le compositeur Aaron Copland. L’écoute critique est une manière dominante d’écouter de la musique, parmi les musiciens professionnels, qui sont des auditeurs experts, à cause de leur éducation musicale et aussi à cause de leur attitude générale envers la musique: généralement, ils évaluent la qualité de chaque performance ainsi que l’habileté de chaque interprète. C’est aisé pour eux, car ils ont l’habitude d’écouter pour percevoir, mémoriser et reproduire des structures musicales et leurs détails.
La place du silence
Ce qui est remarquable, c’est la place du silence, dans la vie des musiciens professionnels. En-dehors de leur travail, ils évitent délibérément les salles de concert et l’écoute aléatoire. L’une des raisons de ce genre de choix est qu’ils ont un savoir musical de première main provenant de l’accumulation d’expériences musicales passées. Cette expérience ne les empêche pas de créer de nouvelles images sonores, en faisant de nouvelles associations visuelles en lien avec ce qu’ils perçoivent. Ces musiciens ont par ailleurs des expériences qui sont des temps forts. Cependant, en général, les musiciens professionnels ne pratiquent pas souvent une écoute de type émotionnel, parce qu’ils ont une relation essentiellement analytique à la musique. En fait, dans un monde qui est désormais perpétuellement connecté, les musiciens professionnels ont besoin de silence. Suite au développement des services de musique en ligne, les musiciens ont un accès plus aisé à toutes sortes de performances musicales et donc de manières différentes de réaliser des performances, pour toutes les périodes de l’histoire de la musique: c’est un grand avantage pour les compositeurs, les interprètes et les chercheurs. Néanmoins, trop de matériaux peut aussi limiter l’imagination personnelle des musiciens professionnels qui écoutent un peu trop ce que font les autres.
Pour les musiciens, le silence est comme un terreau dans lequel ils plantent la musique, la nourrissant jusqu’à se qu’elle se développe en ayant une forme harmonieuse. Un musicien classique a dit que les peintrent utilisent des canevas comme matériaux de base, les musiciens, eux, faisant du silence la base de leur art. C’est un indice qui permet de comprendre pourquoi les musiciens ont besoin de silence: le silence est, pour un musicien professionnel, la source de la musique. Un musicien de rock a dit que les musiciens doivent tendre l’oreille pour percevoir le silence, parce que cette oreille n’est véritablement fonctionnelle que quand elle est silencieuse. Cette dernière approche, davantage reliée au domaine de l’acoustique, réitère qu’il est très important pour les musiciens professionnels de travailler dans un environnement calme. Loin de toute source de nuisance sonore, ils ont l’opportunité de mettre leurs connaissances en pratique et d’écouter le résultat, allant de la musique au silence et du silence à la musique.
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QU’ENTENDENT REELLEMENT LES AUDITEURS, QUAND ILS SONT EXPOSES A LA MUSIQUE?
Y a-t-il différents types d’auditeurs de musique?
Est-ce que les auditeurs de musique sans formation théorique perçoivent la musique de la même manière que les compositeurs de musique qui en ont une? Distinguent-ils les mêmes structurent musicales? Plus généralement, quelles stratégies les auditeurs développent-ils pour retirer le plus possible de leur expérience d’écoute musicale? Ces questions et d’autres sont posées par les théoriciens de la musique depuis quelques siècles.
Deux classifications ouvertes des auditeurs de musique
Loin des théories manichéennes qui se contentent de distinguer, parmi les auditeurs de musique, les connaisseurs ou mélomanes et les oreilles naïves, le philosophe Théodore Adorno a été le premier chercheur à présenter, plutôt qu’un système monolithique, une analyse de la conduite musicale, considérant non seulement la connaissance théorique de la musique que peuvent avoir les auditeurs, mais aussi leurs considérations émotionnelles, culturelles et idéologiques sur la musique et même leurs attitudes en tant qu’êtres humains. Ce faisant, Adorno décrit 8 types d’auditeurs: le consommateur de culture, l’auditeur qu’il dit émotionnel, par opposition à un autre qu’il définit comme anti-émotionnel, il parle aussi du bon auditeur, de l’auditeur indifférent, de celui qui est non-musical, de l’expert, de l’auditeur anti-musical et enfin, parce qu’il avait un intérêt personnel dans ce genre de musique spécifique, le fan de jazz.
La typologie présentée par Adorno est intéressante parce qu’elle n’est pas trop rigide. Par ailleurs, elle n’est pas spécialement liée à la quantité: les consommateurs de culture sont, par nature, des consommateurs massifs. Cependant, sans connaissance théorique de la musique, ils ne sont pas des experts. Ces experts sont, naturellement, les auditeurs de musique idéaux, étant pleinement conscients de tout ce qui arrive au niveau sonore, ne manquant rien et se rendant des comptes de ce qu’ils entendent à tout moment. Toutefois, Adorno dit qu’aucune des catégories qu’il présente ne se présente dans la réalité de manière pure: toutes montrent des types idéaux.
Le compositeur Knut Wiggen a présenté une autre classification, non directement liée aux auditeurs, mais en rapport avec les techniques d’écoute musicale. Pour lui, les auditeurs peuvent écouter la musique en tant que “toile de fond sonore” (‘sounding backdrop’). L’industrie musicale appelle ce genre d’auditeurs des “auditeurs informels” (‘casual listeners’): ils n’écoutent pas de manière attentive; la musique est un arrière-plan plaisant durant un dîner ou une séance sportive. Au contraire, certains auditeurs de musique peuvent être littéralement “intoxiqués par le son”, soit en état d’ébriété, à cause de la musique. Wiggen mentionne également “l’écoute adroite” (‘craftmanship listening’), pratiquée par les compositeurs en lien avec les techniques de composition musicale. Enfin, il parle “d’écoute de contenu”, don’t la découverte d’une structure musicale n’est pas le but, cette structure étant éclipée par l’observation que fait l’auditeur de ses propres émotions quand il analyse la musique. Dans ce cas, la structure musicale est une colonne vertébrale qui leur donne un accès à leur propre histoire de vie.
Il y a bien d’autres classifications intéressantes des auditeurs de musique, certaines étant picturales, d’autres étant basées sur le rapport au temps des auditeurs, etc. C’est fort heureux, car aucun auditeur ne peut être enfermé dans une vision unique. Par ailleurs, ces classifications peuvent être une ouverture pour tous les auditeurs de musique: tous peuvent construire leur propre discours basé sur leur propre expérience de vie et leur rapport personnel à la musique. Il n’est alors plus question de culture ou d’expertise.
C’est bien sûr plus évident avec un outil basé sur l’analyse musicale. Intéressé de découvrir un tel outil? Essayez YMusic, votre assistant musical personnel gratuit (il inclut des critères musicaux pour sélectionner la musique) et vous trouverez de la musique au sujet de laquelle vous pourrez vous amuser à faire des prédictions!
DEEP LISTENING’ ET MUSIQUE, A LA CROISEE DE LA NATURE ET DE LA CULTURE
Quel est l’intérêt de la pratique d’écoute musicale appelée ‘deep listening’?
Comme il implique d’autres sens que le sens de la vision, l’ouïe, par exemple, le discernement peut prendre part au processus d’écoute musicale, aidant tout aussi bien les compositeurs, que les interprètes et les auditeurs, à attribuer une signification à ce qui était tout d’abord difficile à percevoir. Notons que pour l’interprète, plus un genre musical est incarné dans des formes rigides, plus le discernement est important, puisqu’il s’agit de reproduire un style défini de manière très précise. Néanmoins, en tant que forme d’entraînement de l’oreille, le discernement concerne en fait tout le monde.
D’une manière générale, le discernement est un élément clé du ‘deep listening’, une discipline pratiquée par différentes communautés musicales. En effet, il peut aider à écouter la musique à plusieurs niveaux, notamment en percevant d’autres manières qu’ont les autres cultures musicales ou, tout simplement, des musiciens que l’on ne connaît pas encore, de gérer leur rapport au son. C’est pourquoi le discernement contribue à augmenter la valeur de la musique. C’est un mode de perception, quand il n’est pas réduit à un simple moyen: il implique de faire quelque chose, en l’occurrence de percevoir ce qui n’a pas encore été perçu.
A la croisée de la nature et de la culture, le discernement semble occuper une position entre les sens et l’esprit, aidant l’esprit à donner une nouvelle forme à la perception. L’oreille absolue, qui est un aspect du discernement, illustre la partie naturelle de cette réalité. Et une pratique comme la ‘mindfulness’, qui inclut la suspension du jugement, est une forme culturelle du discernement.
Deep listening et prédiction
La vie humaine fut et reste en partie liée à l’indétermination. Généralement, plus l’esprit humain est capable de faire des prédictions au sujet du futur, moins les situations risquées peuvent exercer leur emprise sur l’humanité, par exemple quand il s’agit de réduire les problèmes reliés à l’âge ou à la surpopulation. Dans le domaine de la musique, la prédiction est principalement en lien avec l’élément de surprise que la musique contient en elle-même. Et la surprise est une notion très relative: ce qui est considéré comme de la sérendipité (c’est-à-dire comme une surprise plaisante à exploiter) par un individu va être un événement pénible pour un autre, dans le domaine sonore comme en toute autre matière.
Chaque auditeur de musique est, bien sûr, libre de déterminer ce qui est agréable à ses oreilles ou non. Un auditeur de musique dont le discernement est similaire (même s’il est passif au lieu d’être actif) au discernement d’un compositeur de musique spécifique va être mieux à même d’apprécier la musique de ce compositeur. Toutefois, le discernement n’est pas une notion évidente à évaluer, que ce soit du côté du compositeur ou de celui de l’auditeur.
Et il en va de même pour la prédiction: quelle est la musique qui va rencontrer les attentes des individus? Sans pouvoir prétendre à une individualisation véritable, au niveau des audiences segmentées, les labels musicaux, les sociétés spécialisées dans le domaine de la production de publicités et les médias font un travail efficace à ce niveau et on peut parler de personnalisation. Il n’est pas possible de construire une théorie du discernement par l’observation, parce que chaque relation entre compositeurs, interprètes et auditeurs est unique, mais il est aisé de comprendre que c’est son discernement qui fait qu’un auditeur de musique accepte de prendre du temps pour chercher de la musique qui lui plaît.
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SONS, VISIONS ET GESTES: LES AUDITEURS DE MUSIQUE ET LEUR IMAGINATION
Comment les compositeurs de musique et les auditeurs ont toujours, ensemble, donné leur sens à la musique
Des titres musicaux comme ‘Trans-Europe Express’, ‘Transylvania’, ‘Travelling without moving’ ou bien d’autres encore, veulent emmener les auditeurs dans des voyages faits de textes et de musique. Qu’ils mentionnent des endroits qu’il est réellement possible de visiter ou des lieux fantastiques qui n’existent pas dans l’univers physique, ils évoquent des destinations qui, la plupart du temps, ne font pas partie de la réalité physique présente des auditeurs de musique au moment où ils écoutent le dit morceau. Néanmoins, ces auditeurs ont une liberté illimitée d’imaginer que c’est le cas. Et, au niveau musical, ils suivent leurs oreilles et leur intuition. Ce faisant, ils créent une relation d’écoute en lien avec la destination évoquée par la musique.
Les auditeurs de musique dessinent et suivent des routes qui les aident à améliorer leur expérience d’écoute aussi bien que leurs narratifs de vie, la musique les aidant à intégrer leurs expériences de vue à l’intérieur d’une histoire d’eux-mêmes qu’ils intériorisent davantage grâce à elle. Quels sont leurs moyens pour y arriver? Tout d’abord, la présence des sons produits par les instruments de musique et, lors des concerts en direct, la présence des interprètes, dont les gestes connectent les auditeurs aux sons de manière plus efficace. L’expérience d’écoute musicale est conditionnée par ce que les auditeurs entendent: les sources sonores; et aussi par le lieu dans lequel les sont sont émis: là où l’auditeur se trouve. Ce que l’auditeur voit et, éventuellement, ses mouvements, surtout s’il dance, tout cela concourt également à façonner la dite expérience. En effet, dans le cadre de l’écoute musicale, le son forme une unité avec la vision et le mouvement. Synthétisés, les sons, les images et les gestes aident l’auditeur à améliorer l’ensemble de l’expérience.
Les compositeurs de musique ont toujours été conscients du fait que les endroits dans lesquels leur musique est jouée ont leur importance et, en tout temps, ils ont adapté leurs travaux à l’acoustique des lieux où leur musique devait être jouée. Par exemple, durant le 16e siècle, Cristóbal de Morales avait écrit beaucoup de musique adaptée à l’acoustique des cathédrales. Tout au contraire, l’oeuvre de Händel intitulée ‘Music for the Royal Fireworks’ est une musique qui qui a été écrite pour être jouée à l’extérieur. Pour l’anecdote, durant la première, la musique de Händel, qui est vigoureuse, avait couvert jusqu’au bruit des feux d’artifice eux-mêmes. Remarquons aussi que Haydn, lui, a notamment écrit de la musique tout d’abord jouée au Holywell Music Room, un lieu de concert consacré à la musique de chambre localisé à Oxford. A côté des compositeurs, les interprètes ont également reconnu qu’il est important de se familiariser avec l’acoustique des lieux dans lesquels ils jouent. Par exemple, dans des locaux vastes, il y a plus de résonance et l’importance d’être à l’unisson est, de ce fait, augmentée: les musiciens en tiennent compte.
Navigation entre les vagues de la musique et celles de la vie: l’auditeur de musique libéré
Nous pouvons noter que, de nos jours, les liens entre son, vision et mouvement continuent de façonner l’expérience d’écoute musicale. C’est hautement visible dans des événements tels que les festivals de musique électronique qui ont lieu dans le monde entier. Cependant, la plupart du temps, pour l’auditeur de musique, il y a une dissociation entre la source sonore de départ et l’endroit dans lequel l’auditeur se trouve. Une des conséquences de cette situation est que l’auditeur de musique est libéré des contraintes sociales imposées par les différents types de lieux de concerts: il peut notamment, en deux ou trois heures à peine, écouter de nombreux types de musiques et un nombre important d’artistes.
Chaque label musical peut maintenant enregistrer une performance réalisée par un orchestre complet dans un lieu de concerts pour des auditeurs absents et la publier sur des plates-formes de streaming musical que ces auditeurs écouteront plus tard dans un lieu de leur choix. L’enregistrement présente aussi bien les interprètes que les sons aux auditeurs, laissant ceux-ci étudier les variations sonores calmement dans leur espace personnel. Cette intimité est maintenant une part importante de la pratique d’écoute musicale contemporaine. Selon la légende, cette intimité n’est pas neuve, mais elle est restreinte à des auditeurs privilégiés: Pythagore jouait de la musique pour ses étudiants derrière une tenture, afin qu’ils ne soient pas distraits par son corps et par son visage.
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NOUVELLES THEORIES D’ECOUTE MUSICALE : SON, MUSIQUE, AUDITEURS ET ORDINATEURS
Les liens naturels entre la musique et les auditeurs
Confronté à de nouveaux sons, la plupart des auditeurs de musique ont une aptitude générale à s’orienter eux-mêmes dans la musique. Ils n’ont pas toujours toutes les connaissances qui pourraient leur permettre de classer une pièce de musique qu’ils entendent en fonction d’une nomenclature savante, mais ils peuvent faire des jugements rapides quand ils entendent des échantillons de musique: ils savent intuitivement s’ils l’aiment ou pas. Par ailleurs, affamés d’être en bonne santé, ils mesurent l’impact émotionnel (positif ou négatif) que chaque variété spécifique de musique peut avoir sur eux. Enfin, ils créent et mémorisent des images musicales et mesurent la similarité entre différents morceaux de musique.
Plusieurs théories relatives à la perception de la musique expliquent comment les auditeurs créent des scènes sonores et des images auditives. Ces travaux sont généralement écrits dans les contextes de la musicologie et de l’anthropologie. En effet, créer de la musique et en écouter font partie des activités qui séparent l’humanité du monde animal et la musique représente un aspect important de la vie culturelle. On en trouve dans les films, dans les salons, dans les centres commerciaux, dans les cérémonies religieuses et dans les événements sportifs. La musique a pris de nombreuses formes au fil des siècles et est en perpétuelle évolution.
Les ordinateurs sont-ils utiles aux êtres humains dans le domaine de l’analyse musicale et sonore?
Les théories musicales incluent des analyses du son qui ont un caractère scientifique. Le son, tel qu’il est produit pour et perçu par l’oreille humaine, est le matériau de base de la musique; toutefois, de nombreux sons ont un haut niveau de complexité. C’est pourquoi l’analyse musicale est nécessaire. Présentement, différents logiciels musicaux traitent la musique pour en retirer des éléments simples, tels que leur puissance au niveau acoustique. Cependant, toutes les caractéristiques d’un genre musical ne sont pas identifiées au niveau musical à l’intérieur d’une application, les progressions d’accords et les harmoniques étant complexes. Les auditeurs de musique sont plus capables que les ordinateurs de faire des jugements sur la réalité physique des sons, y compris en ce qui concerne le timbre, qui est un phénomène si peu aisé à cerner que mêmes les spécialistes du son ne peuvent pas se mettre d’accord sur une manière unique de le définir (on peut dire que, d’une manière générale, le timbre est l’ensemble des qualités qui permettent à l’auditeur d’identifier la source physique d’un son).
Par ailleurs, les jugements des auditeurs de musique changent au fil du temps, ils ne sont pas statiques: même si la structure d’une pièce de musique reste la même, les perceptions des auditeurs varient au fur et à mesure de leurs expériences auditives: ils peuvent ainsi segmenter une même pièce de musique de différentes manières lors de différentes écoutes, par exemple, ou bien mémoriser et reproduire le tempo et la hauteur d’une pièce de musique populaire qu’ils aiment avec davantage de précision au fil des écoutes. Dans ce cas, un système d’écoute musicale basé sur l’utilisation de l’ordinateur peut-il être mis au point? Oui, sur base de l’analyse de sons traditionnelle (en utilisant des critères tels que la hauteur et le tempo), mais c’est davantage pour aider des musicologues que le public général des auditeurs qui utilisent les services de streaming. Les musicologues, les compositeurs de musique et les interprètes ont tendance à créer et analyser la musique en utilisant des critères tels que l’exactitude sur le plan musical, tandis que les auditeurs qui n’ont pas de connaissance théorique en musique et qui n’ont que peu de pratique de l’écoute tendent à parler en termes d’émotions. Ceci dit, il y a maintenant une nouvelle application musicale basée sur une théorie de la musique bien spécifique qui veut minimiser les inconvénients de cette dichotomie fondamentale résultant de la différence entre les systèmes conçus pour les musicologues et ceux qui sont développés par les services de streaming: c’est le moteur de recherche YMusic.
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L’ECOUTE MUSICALE A L’ERE DES DONNEES ET L’AUDITEUR DE MUSIQUE DU 21e SIECLE
Avantages et inconvénients d’un nouveau paradigme d’écoute musicale
Durant les dernières décennies, de nouvelles pratiques de composition musicale, en association avec une technologie axée sur la créativité, ont mené à la digitalisation de la production musicale, résultant dans la création de synthétiseurs sophistiqués et de "digital audio workstations" ou "DAW" fort puissantes. Cette combinaison de nouveaux outils de musique assistée par ordinateur avec des plates-formes de données a permis l’émergence d’un nouveau paradigme d’écoute musicale, dont le centre est l’auditeur de musique proactif. Pourquoi les auditeurs de musique peuvent-ils être plus proactifs qu’il y a 20 ans? Parce qu’ils peuvent accéder à un nombre plus important de données en lien avec le marché de la musique et les sélectionner en fonction de leurs centres d’intérêts: ils peuvent découvrir davantage de musique, d'artistes émergents, de styles de musique, etc. Cependant, comme un militant de l’internet l’a expliqué, en utilisant pour ce faire la métaphore dite du "filter bubble" ou de la "bulle internet", les systèmes de recommandation de données, y compris les systèmes de recommandation musicale, ne fonctionnent pas de manière optimale et maintiennent en fait les utilisateurs dans leur propre sphère culturelle, qui est principalement liée à leur genre et à leur âge, au lieu de les aider réellement à trouver de la musique en accord avec leurs goûts musicaux réels, en relation avec leur parcours de vie unique. Ces logiciels n’essaient absolument pas de connaître les auditeurs de musique qui utilisent leurs services de manière individuelle. Le moteur de recherche YMusic, quant à lui, présente à l’auditeur individuel des morceaux de musique basés sur des données qu’il a fournies lui-même directement: il devient ainsi proactif!
Auditeurs de musique en ligne et librairies musicales cossues
Quel que soit le service de musique en ligne qu’ils sélectionnent, face à des bases de données musicales massives, les auditeurs de musique doivent en fait naviguer dans des données, ne fût-ce que des titres de morceaux et des noms d’artistes, en devant suivre une approche centrée sur une base de données qui leur est étrangère: dans la plupart des cas, un ou plusieurs développeurs ont créé des outils pour classer la musique par période, genre et, éventuellement, humeur (le concept étant assez imprécis); parfois, des curateurs humains aident à les auditeurs en créant des playlists par thèmes. Quelque part c’est pratique: les services de streaming musicaux sont un peu personnalisés; mais l’individualisation manque et en fin de compte, les auditeurs de musique dépendent d’algorithmes qui ressemblent à ceux faits pour les centrales d’achats et sur des critiques musicaux qui sont payés par des sociétés ayant des intérêts financiers en lien avec les labels de musique, quand ils ne travaillent pas directement pour ces labels. De ce fait, même si le choix de pièces de musique est plus important que jamais, les auditeurs de musique les plus nombreux, qui sont des auditeurs occasionnels, ont très peu de chance de trouver des sons qui sont vraiment nouveaux pour eux et peuvent les aider à faire de nouvelles expériences musicales, émotionnelles et mentales. Cependant les auditeurs demandent cela. Le fait que la musique soit souvent gratuite pour eux ne résoud pas la question du temps qu’ils peuvent consacrer à l’écoute musicale et ce temps est, bien sûr, limité. Résultat: des millions de chansons publiées sur internet n’ont jamais été écoutées une seule fois. Et pourtant, il y a de nombreux moyens de partager de la musique.
INTRODUCTION A L'ECOUTE MUSICALE
Sachez-en davantage sur les divers aspects de l'écoute, à la croisée des hypothèses et des pratiques.
L'ECOUTE MUSICALE INTUITIVE POUR AMELIORER JUSQU’AU CŒUR DE LA VIE?
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L’ECOUTE MUSICALE INTUITIVE POUR AMELIORER JUSQU’AU CŒUR DE LA VIE?
Qu’est-ce que l’écoute musicale intuitive?
En matière d’écoute musicale, beaucoup d’auditeurs ont l’habitude de suivre les conseils des autres pour trouver de nouveaux morceaux: le fan de pop lit des “posts” taillés sur mesure par des curateurs qui suivent de près les nouvelles tendances, l’amateur de rock se base sur la programmation radio et l’amateur fébrile de musique électronique épluche les calendriers des festivals de musique. Pour la plupart d’entre eux, la musique est une commodité: une occasion de retrouver de vieux amis ou de s’en faire de nouveaux et un moyen pour l’individu de montrer au monde sa culture.
Toute approche pour trouver de la nouvelle musique est valable en elle-même, cependant, il ne s’agit là que du premier pas qui peut mener à une écoute musicale réelle, à une écoute qui est plus attentive à la musique elle-même qu’aux jugements qui sont portés sur elle par des tiers. Il s’agit, pour le mélomane, de capturer le sens musical d’une pièce de musique. Ce n’est pas une tautologie, car de nombreux auditeurs sont au moins aussi intéressés par le contexte culturel dans lequel une musique est produite que par la musique elle-même. Les auditeurs actifs, quant à eux, vont plus loin et essaient par exemple de se faire une représentation de la structure rhythmique d’une pièce de musique. L’écoute musicale devient un événement en soi et une compétence appréciée pour la gratification qu’elle procure, quelle que soit la nature de cette gratification pour chaque auditeur individuel. Remarquons que pour la plupart des auditeurs, qui n’ont pas une éducation musicale formelle, il s’agit d’un procédé intuitif.
Robert Ellis Dunn, qui fut professeur au Conservatoire de Musique de Boston et aussi un pionnier du Postmodern Dance Movement aux Etats-Unis, définit en son temps l’écoute musicale intuitive au moyen de dix caractéristiques. Certaines sont significatives pour tout auditeur quel qu’il soit. Par exemple, en ce qui concerne l’une de ces caractéristiques, la création d’images mentales musicales, il est évident, oui, que tout auditeur de musique en crée. D’une manière constante, d’une façon unique, au-delà des mots. Et c’est pourquoi de nombreuses personnes ont tendance à dire qu’elles se trouvent elles-mêmes, dans la musique. Leurs vies et leurs histoires entrent littéralement dans la musique, aussi bien que le contraire. C’est pourquoi, quand ils font vraiment attention à la musique, les auditeurs répondent à la musique, touchés au coeur de leurs expériences émotionnelles, émus dans leurs pensées les plus profondes.
Au-delà des notes de musique, ils relient les significations de la musique à leurs propres expériences et attitudes. Ils entendent dans leur tête une chanson qu’ils ont écoutée précédemment, ils pensent littéralement en termes de sons, suivant le travail des compositeurs et des interprètes. Ce faisant, les auditeurs vivent dans les trois dimensions du temps: ils réfléchissent à des histoires qui sont arrivées (passé), ils interagissent avec leurs perceptions de manière émotionnelle (présent) et ils font des prédictions sur ce qui pourrait arriver, que ce soit au niveau du déroulement de la pièce de musique ou à celui de leur vie personnelle.
Est-ce que l’écoute musicale intuitive peut, à l’échelle d’une vie, devenir un avantage?
James Mursell, chercheur en psychologie musicale, n’hésite pas à écrire qu’un auditeur de musique peut, avec succès, entrer dans une musique, se l’approprier et être possédé par elle. Cette expression forte montre l’importance que la musique peut avoir dans la vie de quelqu’un. Néanmoins, seul l’auditeur de musique attentif peut retirer des bénéfices élevés de son activité d’écoute. Il est bien évidemment possible d’écouter de la musique en étudiant ou en mangeant avec des amis, mais dans ce cas, la musique est une simple commodité.
Au contraire, l’écoute musicale intuitive rend possible de créer une expérience d’écoute musicale totale, en combinant des éléments provenant de l’histoire de vie de l’auditeur aux harmoniques musicales. Il en résulte une expérience de haute qualité centrée sur le soi. Interagissant avec la musique lorsqu’elle est produite, les auditeurs osent quitter l’univers physique, dit “monde réel”, pour explorer une réalité moins tangible, sans être cependant tout-à-fait seuls dans le processus, parce qu’ils y ont au moins une relation avec eux-mêmes. La manière dont ils trouvent de la musique et ce qu’ils en retirent va leur donner l’envie de continuer, si leur satisfaction est suffisante. C’est pourquoi les suggestions qu’ils reçoivent, au lieu de prendre la forme de cours d’appréciation musicale ou de propagande publicitaire agressive, devraient essayer de mettre à jour les intérêts musicaux de chaque auditeur individuel, en utilisant uniquement des informations données directement par l’auditeur, sans recours à des statistiques qui ne concernent pas directement cet auditeur individuel.