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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
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L’analyse musicale est une discipline académique complexe qui, aujourd’hui, est reliée de manière inhérente aux domaines de la technologie musicale et de l’économie. Pourquoi l’analyse musicale reste-t-elle importante à l’ère de la musique en ligne?
QU’EST-CE QUE L’ANALYSE MUSICALE?
POURQUOI LA MUSIQUE? ESSAIS DE QUALITE SUR L’ECOUTE MUSICALE
Au-delà de tout genre musical, découvrez les caractéristiques principales des sons et de la musique et trouvez de la musique sur base d’échantillons sonores en utilisant YMusic, un moteur de recherche musical basé sur des critères musicaux.
LA CREATION MUSICALE ET LES LOIS DANS L’INDUSTRIE DU DIVERTISSEMENT, ENTRE ESTHETIQUE ET TECHNOLOGIE
Comment le droit du divertissement est-il directement relié au domaine de l’esthétique?
Le droit du divertissement (‘entertainment law’) peut être défini comme la partie de la loi qui gère les rapports professionnels dans le contexte de l’industrie du divertissement, dont l’industrie musicale, par exemple, fait partie. Ce droit concerne en conséquence tous les compositeurs, les interprètes et les producteurs de musique. Par ailleurs, il combine divers éléments relatifs à la propriété intellectuelle, au droit du travail et aux litiges. Le concept de droit d’auteur y est bien sûr central.
Les spécialistes du droit d’auteur savent que les quelques catégories élémentaires de ce droit sont, de manière essentielle, liées au domaine de l’esthétique: l’originalité, la transformation, la reproduction, etc. Notons au passage que l’humanité préfère maintenant ce qui est original et veut encourager le renouvellement, notamment dans le domaine musical.
Cela ne fut pas toujours le cas. Les besoins et les valeurs ont changé: durant le Moyen Age, créer de la nouvelle musique était interdit, les variations étaient à peine autorisées. Et il y eut également des périodes durant lesquelles l’emprunt était considéré comme faisant partie du travail créatif, alors qu’aujourd’hui, il n’est plus autorisé par la loi. Ce genre de situation peut paraître curieuse: en effet, la loi prétend ne pas être concernée par les jugements de nature esthétique.
Droit du divertissement et échantillonage musical
Notons que les musiciens ont l’autorisation d’emprunter des riffs et des accords dans tout morceau de musique qui n’est pas mis sous copyright et de les mettre eux-mêmes sous copyright. C’est ainsi que les musiciens vont souvent chercher de l’inspiration dans les musiques traditionnelles dites “musiques du monde”. Par ailleurs, des assemblages originaux de sons individuels provenant d’autres oeuvres protégées sont permis, contrairement à l’utilisation de progressions d’accords provenant de ces mêmes oeuvres. Enfin, un type particulier de licences, les licences dites ‘creative commons’, permettent de créer des oeuvres dérivées de créations originales protégées sans enfreindre les lois.
Quand il y a atteinte à la propriété intellectuelle, elle peut être identifiée, avec la collaboration de musicologues et de logiciels qui comparent les catalogues. Les avocats et les spécialistes du domaine musical, bien sûr, se forment, afin de faire ce travail: tous développent leurs capacités d’analyse et leur esprit critique, les 1ers étudiant la loi , les seconds enrichissant leurs pratiques d’écoute musicale et leur connaissance de la musique en général.
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POP ET COUNTRY: COMMENT LES PRODUCTEURS DE MUSIQUE CREENT-ILS DE LA VALEUR?
Caractéristiques musicales et genres musicaux
Ecrivant de la musique, les musiciens doivent être conscients du fait que la manière dont la musique est découverte en ligne varie fortement d’un genre à un autre, pour donner une orientation à leur marketing. Au niveau de la musique populaire, un morceau de pop amené à devenir un hit peut atteindre le sommet du hit-parade en une semaine, son succès décroissant ensuite. Pour un titre de musique country, ce sera le contraire: il pourra prendre de nombreuses semaines avant d’y arriver. Pourquoi est-il utile que les auteurs-compositeurs connaissent ce genre de mouvements? Parce qu’ils ont besoin d’avoir un minimum de succès de manière à faire des ventes et à poursuivre leur activité.
Quel type de parcours les succès de la pop suivent-ils? Même si un titre n’est pas un autre et que toutes les bonnes chansons de pop ne deviennent pas des hits, généralement, ces hits présentent souvent un tempo moyen qui tourne aux alentours de 100 battements par minute ou davantage. Après 2 minutes et trente secondes, un auditeur se lasse, généralement, et des éléments nouveaux doivent apparaître dans la musique. Le nombre de répétitions, dans un hit, varie entre 5 et 40. Statistiquement parlant, de nombreux hits incluent le mot ‘you’ au début d’une chanson. Parmi leurs thèmes principaux, on trouve bien sûr les relations. Quant à la musique country, son tempo est plus lent et n’atteint généralement pas les 100 battements par minute.
Les attitudes envers la musique
Il est dit que les clients d’un restaurant vont y passer davantage de temps s’ils entendent de la musique de jazz plutôt que de la musique classique, dit une étude. Personne, en faisant des courses dans un centre commercial, ne s’attend à y entendre de la musique de fanfare. Les fans de musique pop apprécient les tempos rapides parce qu’ils aiment aussi danser. Qu’est-ce que ce genre de données signifie? Que des types spécifiques de musique de musique sont attendus pour accompagner certaines activités. Les auteurs-compositeurs du domaine populaire en tiennent compte, mais il s’agit là de conventions, que les auditeurs désireux d’étendre leur compréhension de la musique dépassent. C'est pour cette raison que les compositeurs, après s'être positionnés sur un marché de niche, pourront vite s’exprimer d’une manière authentique sur le plan musical. Cette authenticité est généralement appréciée des auditeurs. En recherchant les critiques constructives, les auteurs-compositeurs vont pouvoir ajuster leur production musicale à leur audience réelle et ils auront peut-être plus de chances de créer un hit de cette manière. Notons enfin que, souvent, des musiciens devenus populaires ont joué des styles musicaux qui ne le sont pas du tout. Par exemple, Pharrell Williams commença par jouer de la timbale dans une fanfare, tout en étant par ailleurs membre d’un groupe de rhythm and blues.
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LA MUSIQUE, DE L’ANALOGUE AU DIGITAL
Des disques aux plates-formes en ligne
Il y a différents types de fichiers audio et ces fichiers sont communiqués par de nombreux individus et sociétés à de nombreux autres individus et sociétés, de manière à ce que tous puissent les obtenir sur internet en tout lieu et en tout temps. De tels transferts sont permis par les techniques de compression digitale appliquées au sons ou par des algorithmes. Chacune de ces techniques, disent les ingénieurs audio, peuvent présenter niveaux en termes de complexité et de qualité du son obtenu. Toutes permettent d’améliorer le stockage et la transmission des données sonores.
Avant ce que l’on appelle l’audio digital, qui est la publication de fichiers audio sur internet, il y avait ce que l’on appelle l’analogue. Quelle est la différence entre un signal analogue et un signal digital? Un signal est dit analogue quand l’information contenue dans ce signal est faite d’éléments physiques tels que le voltage ou la position spatiale, tous ces éléments étant mesurés en utilisant différentes unités. Par exemple, l’information contenue sur un disque vinyle est analogue. Ces éléments physiques varient d’un objet à l’autre: l’information analogue contenue dans une horloge électrique n’est pas la même que celle que l’on peut trouver dans un feu de signalisation. Dans le domaine musical comme dans d’autres, il y eut une première série de transferts, il y a une dizaine d’années, pour extraire l’information musicale et sonore contenus dans les vinyles et les disques compact, qui sont déjà des supports de nature digitale. Le digital communique de l’information en utilisant des séries de 0 et de 1, différant en cela de l’analogue. De l’analogue au digital, une bonne partie de la physicalité est perdue et avec elle, une partie de l’information d’origine. Cependant, le digital présente un avantage: les données digitales peuvent être préservées plus facilement que les données analogues et, vu que les ordinateurs ne peuvent traiter que les données digitales, écouter de la musique en ligne supposait de transiter vers le digital.
Est-ce que la qualité de l’audio en ligne varie véritablement en termes de qualité?
La représentation digitale de la musique est plus stable que l’analogue ne l’était. Cela peut s’entendre quand, en ligne, l’auditeur trouve une ancienne pièce de blues enregistrée en Louisiane durant les années 1930: le son ayant été directement extrait d’un vinyle et non d’un disque compact, du bruit peut être entendu, alors qu’on n’en entend pas quand on écoute des transpositions digitales de sons qui avaient été enregistrés sur des vinyles remastérisés ou sur des disques compacts.
Ceci dit, entre les fichiers audio que l’on peut maintenant écouter sur internet, y a-t-il de réelles différences, en termes de qualité? Il y a un grand débat parmi les audiophiles. Une partie des auditeurs, qui entendent des différences entre les enregistrements, sont dit subjectivistes et ceux qui n’en entendent pas sont dits objectivistes. Ce débat n’est pas nouveau, il existait déjà avant même l’époque de la stéréo et il est en lien avec les méthodes utilisées pour évaluer l’équipement audio. Notons que, comme cet équipement audio peut être assez coûteux, ce débat est d’abord un débat commercial dont l’évolution est répercutée par les revues destinées aux audiophiles.
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LA DISTRIBUTION DE MUSIQUE EN LIGNE : LE ROLE DES INGENIEURS QUI DEVELOPPENT LES PLATES-FORMES
Des programmes et des équipes pour relier auditeurs et musique
La principale fonction des plates-formes de musique en ligne est de connecter les auditeurs à la musique. Les éditeurs de ces plates-formes dédient une grande partie de leur temps et de leurs ressources à identifier la musique de manière à payer leurs propriétaires quand les auditeurs écoutent les compositions dont ils détiennent les droits. Ces plates-formes aident ainsi les artistes et labels à profiter des bienfaits de leur travail.
De quoi ces plates-formes ont-elles besoin pour assumer leur croissance? Tout d’abord, la vitesse de développement compte, surtout à des moments-clés, comme de nouveaux partenariats et cela suppose de créer des équipes dans lesquelles chacun peut expérimenter de nombreuses idées, avec la mission de transformer des concepts en produits concrets. Les principales plates-formes de musique en ligne ont une équipe rien que pour gérer leur page d’accueil, une autre a pour seule fonction de s’assurer que la musique démarre sans délai, etc. Généralement, chaque équipe adopte des méthodes spécifiques pour assurer la croissance de la plate-forme secondaire (‘sub-platform’) dont il est responsable.
Rencontrer les attentes spécifiques des auditeurs de musique
Les ingénieurs de plates-formes veulent généralement créer des fonctionnalités dont les utilisateurs vont pouvoir bénéficier. Attirés par la nouveauté, ils maintiennent également un haut niveau d’attention quant aux cibles générales qu’ils se sont fixées à l’origine du progrès. C’est pourquoi ils définissent des buts et estiment dans quelle mesure ils vont avoir besoin d’aide pour les attendre. En tant que développeurs, ils donnent aux ordinateurs des instructions à exécuter.
Les ingénieurs ont pour vocation de créer quelque chose à partir de rien et de résoudre des problèmes, approfondissant leurs connaissances quand ils veulent atteindre de nouveaux objectifs. En matière de musique en ligne, comme pour tout type de contenu, il y a différentes manières de construire une plate-forme et différentes manières de prendre les utilisateurs en compte.
Leur travail est de créer la meilleure interface utilisateur (‘user interface’) possible ainsi que son résultat, une expérience utilisateur (‘user experience’) optimale, sans distraction excessive. S’il s’agit, par exemple, d’aider l’utilisateur à enrichir son expérience d’écoute musicale, indépendamment de l’origine culturelle des pièces de musique qu’il explore, un développeur va concevoir un moteur de recherche basé sur l’analyse de la musique et des sons, plutôt qu’un service de streaming musical. C’est d’ailleurs la cible que se propose d’atteindre YMusic, un nouveau moteur de recherche musical développé pour tous les amateurs de musique exigeants.
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LA DESCRIPTION DE LA MUSIQUE A L’EPOQUE DE LA TECHNOLOGIE MUSICALE
Production, reproduction et représentation musicale
La digitalisation, dans le domaine musical, inclut différents aspects: des pistes sonores, des partitions de musique, des couvertures d’albums, des livres sur la musique, etc. C’est pourquoi elle implique des acteurs aussi divers que les éditeurs de musique, les musicologues, les labels et, bien sûr, les plates-formes de musique en ligne.
Concernant la musique proprement dite, l’information est communiquée, sur internet, via des fichiers de format divers, tels que les formats MusicXML et MIDI.
Ceci dit, qu’est-ce que la communication musicale? Ce qui peut être transmis, c’est une série d’idées musicales que le compositeur a traduites en se servant de symboles musicaux. Ou bien alors, c’est l’exécution de ces idées, la performance musicale.
Notons que les fichiers musicaux publiés sur internet peut être transmis d’un ordinateur à un autre aisément ce qui, d’ailleurs, pose quelques problèmes au niveau de la gestion des droits d’auteurs.
Les types d’information musicale
Quel que soit le format musical sous lequel elle est transmise, l’information musicale peut être en lien avec la notation musicale et la partition, en rapport avec la structure d’une composition musicale (portant alors sur les relations entre les objets musicaux); elle peut aussi porter sur la performance (l’exécution d’une pièce de musique) ou sur le son (pour ce qui concerne les enregistrements digitaux).
Cette information peut être utilisée de diverses manières: création de catalogues, enseignement, gravure musicale ou arrangement d’une composition musicale existante, par exemple.
A côté des données musicales proprement dites, ce que l’on appelle les métadonnées s’avère utile en vue de la classification culturelle de la musique, ce sont des tonnées telles que le titre d’une chanson, le nom du compositeur, l’année de création, le genre musical, etc.
Il s’agit là d’un type de données que les programmeurs implémentent également dans les plates-formes qu’ils créent, afin d’aider les auditeurs à retrouver la musique qu’ils connaissent déjà ou à essayer d’en trouver de la nouvelle en utilisant des mots-clés pour voir apparaître de nouveaux titres musicaux et noms de musiciens.
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