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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
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POURQUOI LA MUSIQUE? ESSAIS DE QUALITE SUR L’ECOUTE MUSICALE
LA MUSIQUE PRODUITE EN OCCIDENT ET DANS LES SOCIETES TRADITIONNELLES: DIFFERENCES
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POURQUOI L’ANALYSE MUSICALE RESTE-T-ELLE IMPORTANTE, A L’ERE DE L’INDUSTRIE MUSICALE?
L’analyse musicale et les progrès de la technologie
Est-ce que l’analyse musicale, qui est une discipline académique, est totalement séparée de la performance musicale? Dès lors, est-elle superflue? Non, l’analyse musicale n’est pas une sorte d’attribut accidentel de la musique, parce que le questionnement constant des analystes tend à fournir aux interprètes des stratégies pour l’écoute musicale et l’interprétation.
En conséquence, l’analyse musicale peut favoriser l’émergence de nouvelles manières d’expérimenter la musique, tout spécialement à une époque où l’amélioration permanente des instruments électroniques permet de renouveler rapidement les méthodes de création musicale.
En fait, la technologie musicale a pour résultat, entre autres, de permettre l’émergence de nouvelles sensibilités musicales, chez les compositeurs, les interprètes et les auditeurs de musique. Elle permet la création de genres qui coexistent désormais avec des développements plus anciens de l’histoire de la musique.
Remarquons que, comme les instruments de musique n’ont pas disparu avec la partition de musique, la partition de musique n’a pas disparu à l’arrivée des ordinateurs.
Quant au travail des analystes, il n’est pas spécialement facilité par l’apparition des nouvelles technologies et il n’en est pas moins indispensable qu’auparavant, car c’est eux qui, en fin de compte, à partir des données fournies par les machines, analysent les pièces de musique.
Un renouvellement continuel des formes musicales et de l’analyse musicale
Vu les derniers développements du “capitalisme musical”, né lors de l’apparition des premiers moyens mis au point pour enregistrer la musique, l’analyse musicale devient de plus en plus sophistiquée et aussi de plus en plus fréquente, vu que la production musicale assistée par ordinateur croît sans cesse.
Il n’empêche que le travail de l’analyste reste fondamental et qu’est-ce que le travail de l’analyste, si ce n’est un travail d’écoute particulièrement attentif? Son oreille est donc irremplaçable et son travail aide les auditeurs à produire plus de sens musical en lien avec ses propres pratiques d’écoute musicale.
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ANALYSE MUSICALE ET SINGULARITE D’UNE ŒUVRE MUSICALE
L’analyse musicale pour stimuler la créativité personnelle des compositeurs, des interprètes et des auditeurs de musique
A ses débuts, l’analyse musicale était uniquement un ensemble de règles normatives insérées dans des traités et qui se contentaient de décrire la manière dont les compositeurs créaient de la musique, invitant les étudiants à se servir de leurs bonnes pratiques. Il s’agissait de montrer qu’une pièce de musique présentait des caractéristiques spécifiques et qu’elle pouvait être reliée à une forme musicale connue. De nos jours, les analystes veulent distinguer ce qui, dans les œuvres musicales, font qu’elles sont ce qu’elles sont. Ils vont plus loin et se demandent pourquoi telle musique produit tel effet qu’une autre pièce de musique ne produit pas.
Pour répondre à ce genre de questions, ils sont aidés par des outils et des concepts en lien avec le traitement des sons. En effet, les outils que sont les logiciels permettant le traitement du signal sonore offrent également des outils d’analyse, permettant de mesurer tous les paramètres relatifs au son de manière objective. Un des buts de ce type d’analyse est d’analyser les processus créatifs parmi les compositeurs et comment les auditeurs y réagissent.
Les enregistrements de musique comme moyen de préserver la singularité des performances musicales
Parmi les 1ers compositeurs qui purent tirer profit des enregistrements de musique se trouvait Bela Bartók, qui fut particulièrement heureux d’avoir ainsi une possibilité de transmettre son interprétation personnelle de ses propres compositions. A l’époque, c’était une grande nouveauté. Bartók était conscient du fait qu’aucune interprétation d’une pièce de musique n’est l’interprétation “en soi”, même quand c’est celle de l’interprète, mais il était malgré tout satisfait. En fait, les enregistrements peuvent être un moyen de s’approprier une pièce de musique et ils peuvent aider les interprètes et les auditeurs à assigner une signification à la musique qu’ils veulent jouer ou écouter.
Plus il y a d’enregistrements d’une même pièce de musique, plus la boîte à outil de l’analyste est fournie, quant à l’auditeur, il a tout simplement plus de choix et, en matière de musique classique, où la virtuosité est importante, plus il y a d’enregistrements, mieux c’est. Dans le champ de la musique populaire, il y a nettement moins de variété, la tendance à la standardisation est poussée au maximum, parce que les ‘personas’ des musiciens, surtout les plus connus, ont une grande importance et que leurs voix font partie intégrante de ces ‘personas’ (qui sont des sortes de “personnages” qu’ils jouent quand ils sont en contact avec le public, à la lisière de leur tempérament réel et d’un jeu similaire à celui des acteurs). Les artistes populaires sont en conséquence enregistré de manière aussi homogène que possible, d’autant plus que les labels musicaux ont intérêt à s’assurer de l’uniformité de leur voix car ainsi, elle peut être identifiée, mémorisée et reconnue par un grand nombre d’auditeurs.
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QUELLE VALEUR L’ANALYSE MUSICALE APPORTE-T-ELLE A LA MUSIQUE, AUX COMPOSITEURS ET AUX AUDITEURS?
Quelque part entre l’acoustique et la musicologie
L’analyse musicale implique deux domaines au moins: l’acoustique et la musicologie. En effet, les pièces de musique et leurs structures sont expliquées en utilisant à la fois les concepts en lien avec le traitement des sons et ceux qui proviennent de la recherche en théorie musicale. Le but d’une analyse musicale est de répondre à cette question: “Comment une pièce de musique fonctionne-t-elle? Cette discipline scientifique est née dans la seconde moitié du 18e siècle et incorpore plusieurs approches et modèles.
Certaines analyses, comme celles faites par Donald Tovey durant la 1re moitié du 20e siècle, utilisent principalement le langage et les sciences humaines pour décrire ce qui se passe dans une pièce de musique de manière chronologique. D’autres sont basés avant tout sur l’études des éléments musicaux présents dans la pièce, le contrepoint par exemple. Dans tous les cas, l’analyse musicale prétend déterminer quelle est la structure d’une partition musicale.
Questions soulevées par l’analyse musicale
Dans le courant du 19e siècle, le compositeur Adolf Bernhard Marx, qui était également versé dans l’esthétique, devint l’éditeur d’un journal musical. Marx avait les capacités et l’opportunité de parler de la structure d’un certain nombre de pièces de musique. Et il avait conscience du fait que, pour beaucoup d’enseignants en musique, il n’était pas aisé de donner des leçons sans avoir une compréhension pour profonde de l’oeuvre des grands compositeurs. Plus tard, devenu professeur de musique à l’Université de Berlin, Marx fonda même un conservatoire privé et, publiant un livre dédié à l’analyse de plusieurs génies de la musique, dont Beethoven, il exerça une influence profonde sur le développement de la sonate en tant qu’objet d’étude.
Néanmoins, de tels enseignements suscitèrent quelques problèmes. Dans le cas de Marx, ils furent liés au fait que des spécialistes de la musique des époques suivantes avaient considéré que des “formes” telles que “la” sonate ou “le” rondeau, don’t la sonate est une variante, n’ont jamais existé dans l’esprit des grands compositeurs. Ils ont donc posé des questions pour essayer de déterminer dans quelle mesure les formes de l’analyse musicale peuvent être enseignées. Les analystes ne s’accordent pas tous non plus sur les méthodes à employer. Pourquoi? Il peut s’agir d’une question de point de vue: certains analystes vont insister sur les relations tonales, d’autres sur les relations thématiques, les 1ers étant considérés comme étant plus rigoureux. Remarquons, pour terminer, que certains analystes essaient par ailleurs de questionner les partitions de musique en lien avec les auditeurs de musique en vue de comprendre comment ils perçoivent la musique.
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QUELS SONT LES AVANTAGES ET LES DESAVANTAGES DES NOUVEAUX MODELES DE DISTRIBUTION DE LA MUSIQUE EN LIGNE?
Les nouveaux moyens de distribuer la musique sur internet et leurs conséquences
La culture économique de l’internet est, à l’heure actuelle, divisée en deux tendances: d’un côté, on trouve une tendance centralisée représentée par les principales sociétés à l’origine de la production culturelle de masse dans différents domaines; de l’autre, des réseaux décentralisés faits de petites sociétés indépendantes assurant une production plus locale. L’industrie musicale, qui est petite, comparée à d’autres, au niveau économique, mais qui est très puissante, culturellement parlant, n’échappe pas à cette tendance. L’ensemble des juristes qui essaient d’articuler ces deux tendances peine à trouver un équilibre, notamment dans le secteur du divertissement.
Le développement de la technologie et de l’internet a permis l’accélération de la production musicale et du partage entre auditeurs, donnant de nouvelles possibilités d’accéder à des masses de musique et de la télécharger. Cette situation présente à la fois des avantages et des inconvénients. Parmi les avantages, on trouve la réduction des coûts de production, un nombre plus élevé de musiciens actifs en ligne et une plus grande diversité musicale. Quant aux problèmes, ils sont en lien avec l’intégrité de la production musicale et la protection des artistes et des oeuvres et ils se traduisent en termes légaux. En effet, les points de référence culturels deviennent indistincts et les sources de création musicale deviennent de plus en plus nombreuses. Dans cette situation, certains artistes peuvent vouloir plus de clarté afin de retirer des bénéfices de leur travail lorsque celui-ci est utilisé dans le cadre de performances publiques.
Cycles d’innovation et résistance au changement
Tous ces changements ont donné une forme nouvelle à l’industric musicale. Comment? Il y a eu des cycles d’innovation et de résistance au changement. Durant chacun de ces cycles, des sociétés (ou une société) ont développé une nouvelle technologie pour distribuer de la musique aux auditeurs, cette technologie offrant des bénéfices en termes de flexibilité et de commodité pour les auditeurs, mais ayant pour résultat des pertes financières dont les victimes ont été les détenteurs de droits musicaux en tout genre. En conséquence, lors de chaque cycle, il y a eu des batailles sur le plan légal, qui se sont terminées par un status quo, par un renforcement de la propriété intellectuelle ou par la création d’un système de compensation alternative.
Chaque nouvelle technologie musicale peut être basée sur le système propriétaire ou pas. Comment le modèle du “tout gratuit” peut-il entrer en compétition avec celui du “tout payant”? Comment les entrepreneurs qui font la promotion du “gratuit” rentabilisent-ils leurs investissements, en utilisant de nouveaux modèles économiques (‘business models’)? Une chose est certaine: pour les artistes, il peut y avoir des désavantages en termes financiers aussi bien qu’en ce qui concerne leurs droits moraux, les deux étants liés: ils ne peuvent pas toujours aisément recevoir une rétribution pour leur travail et il arrive que celui-ci soit modifié sans leur consentement, en particulier lorsque les artistes choisissent de partager leur production en utilisant l’une ou l’autre licence ‘creative commons’. Même dans le cas où l’artiste reste pleinement propriétaire de son travail, ce n’est pas si évident non plus: en effet, pour que l’écoute d’une pièce musicale rapporte quelque chose à l’auteur de cette pièce ou au label qui le produit, il faut que l’auditeur l’ait écoutée pendant plus de 30 secondes.
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LA MUSIQUE DANS LE CONTEXTE DE LA PRODUCTION MUSICALE OCCIDENTALE ET DANS LES SOCIETES TRADITIONNELLES: QUELLES DIFFERENCES?
Une conscience des sons du monde entier
Dans les sociétés dans lesquelles il n’y avait pas de saison formelle, de montre ou de calendrier, la musique donnait une direction: elle marquait par exemple l’ouverture et la clôture de la saison des pluies. Elle structurait également l’espace: il y avait des endroit où on jouait de la musique et dans d’autres, on n’en jouait pas. Dans certaines tribus du Brésil, la journée commence encore avec un chant collectif. En fait, dans ce genre de sociétés, la musique configure les relations entre les gens. Elle a un caractère solennel.
Les archivistes et les curateurs aident à préserver la musique créée à l’intérieur du cadre de l’industrie musicale. En effet, les sons et les styles de musique n’apparaissent pas dans une sorte de vide et le plus souvent, la musique n’est plus produite dans la nature: les résultats de la pratique instrumentale et vocale et, plus largement, la musicalité, sont maintenant façonnés dans des studios d’enregistrement, mixés et distribués par des agents économiques désireux de mettre en valeur la richesse de l’univers musical. Au 20e siècle, les sociétés permettant les enregistrements ont aidé à disséminer et à reproduire la musique partout. Elles ont terminé de mettre la musique en-dehors de la sphère du sacré en la rendant disponible à tout moment. Quand elles ont introduit l’usage du vinyle, elles ont aussi permis à l’utilisateur d’insérer l’écoute musicale dans son aire chronologique personnelle.
Production, conservation et utilisation de la musique
De nos jours, la quantité de musique qui est produite est plus élevée qu’elle ne l’était il y a quelques dizaines des années. Cependant, est-ce que tous les sons pourront être entendus éternellement? Est-il possible de retrouver la musique enregistrée et jouée sur les appareils plus anciens? Vu que le type de support utilisé est moins visible qu’il ne l’était auparavant, même si les techniques d’enregistrement sont plus sophistiquées, il n’est pas certain que toute la nouvelle musique puisse être conservée aisément, en particulier quand elle n’est pas intégrée dans un système qui dispose de disques durs puissants. La musique enregistrée qui est contenue dans des bases de données conséquentes a plus de chances d’être conservée et utilisée plus longtemps.
Quoi qu’il en soit, dans une société où tout le monde considère la musique comme une commodité, cette idée n’est pas si aisée à répandre. Cependant, désireux de retrouver la signification substantielle de la musique et de sentir à nouveau ses bienfaits, des ethno-musicologues n’hésitent pas à traverser les frontières et à trouver des sociétés qui n’ont pas de contact avec l’argent et le système financier. Dans ces sociétés, la musique va toujours de pair avec les activités quotidiennes: le réveil ou le fait de faire la lessive. Les musiciens structurent donc leur société avec la musique, sans en tirer de revenu, mais bien sûr, il ne s’agit pas, alors, de leur activité principale. Il en va de même dans les communautés religieuses telles qu’on les connaît encore en Occident.
L’analyse musicale est une discipline académique complexe qui, aujourd’hui, est reliée de manière inhérente aux domaines de la technologie musicale et de l’économie. Pourquoi l’analyse musicale reste-t-elle importante à l’ère de la musique en ligne?
QU’EST-CE QUE L’ANALYSE MUSICALE?