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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
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Du compositeur à l’auditeur, de la psychologie à la spiritualité, de l’art à la science, découvrez dans la rubrique «La culture musicale dans ses divers aspects» les différentes facettes de la musique de manière insolite, de sa création par le compositeur à la manière dont l’auditeur la perçoit, en lien avec le comportement humain et la conscience.
LA CULTURE MUSICALE DANS SES DIVERS ASPECTS
LA MUSIQUE DANS TOUS SES ETATS: HISTOIRES DE MUSIQUE ET DE MUSICIENS
Au-delà de toute genre musical, découvrez les sons créés par de nombreux musiciens passionnés et décidez quels sont ceux qui correspondent le plus à votre état d’être en utilisant YMusic, un moteur de recherche musical basé sur des critères musicaux. Utilisez YMusic de manière à recevoir plus aisément de la musique que vous pourriez potentiellement aimer sans devoir passer trop de temps à la chercher.
La nécessité de créer de la musique
Les musiciens, généralement, se rapprochent de la sérénité quand ils ont le sentiment de la créer de la bonne musique, en harmonie avec les auditeurs, les collègues avec qui ils travaillent et tous ceux qui les aident à distribuer leur travail. Ils sont tout d’abord conduits par la nécessité de faire de la musique. Etant vulnérables à la musique, ils peuvent faire de cette vulnérabilité une force, parce que dans ce contexte, la musique peut se révéler de manière plus marquante. Une étincelle peut jaillir, dont les musiciens se rappelleront peut-être plus tard, de manière à communiquer les effets qu’elle a créés en eux.
Ces musiciens essaient de toucher les autres d’une manière spécifique: ils savent que les émotions qu’ils ressentent, ils les partagent avec d’autres, mais aussi que la musique est un moyen privilégié de les partager. La manière dont ils composent, quand c’est le cas, n’est jamais tout-à-fait cyclique. Ils peuvent entamer une pièce, passer à autre chose et ensuite revenir sur le 1er travail, après avoir pris un peu de recul, en particulier quand ils travaillent en équipe, car cela laisse aux autres membres le temps d’écouter et d’exprimer leur avis sans que cela crée des frictions.
Avoir une vue d’ensemble et la concrétiser dans un temps raisonnable
Les musiciens, durant leur parcours professionnel, acquièrent de nouvelles connaissances et font toutes sortes d’expériences qui les aident à découvrir qui ils sont véritablement, sur le plan musical. Ils acquièrent une vue d’ensemble et tâchent de la réaliser, sur le plan de la production musicale comme sur le plan du marketing. En fait, ils veulent partager le bonheur que la musique leur procure avec tous. L’écoute musicale étant, en un sens, un moyen pour les auditeurs d’atteindre un état de conscience plus élevé. C’est pourquoi les musiciens cherchent à renouveler les manières dont ils peuvent aider les auditeurs à y arriver.
Faisant de la musique, les musiciens se sentent tantôt humbles, tantôt puissants. D’une manière spécifique: alors que la danse repose sur le mouvement et la peinture sur la vision, la musique s’appuie tout d’abord sur l’écoute, de manière à créer ensuite les meilleurs sons, titres et albums possibles. Les musiciens n’ont jamais peur de se tromper, ni de persévérer, lorsqu’ils sentent que développer une idée musicale est une option valable. Ils peuvent d’ailleurs retravailler les résultats obtenus, seuls ou avec d’autres, s’ils le veulent.
QUELS MOYENS LES MUSICIENS UTILISENT-ILS POUR ATTEINDRE DES OBJECTIFS QU’ILS ESTIMENT PLUS ELEVES?
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MUSICIENS DANS LE MONDE: OUI, ILS PEUVENT FAIRE LA DIFFERENCE
Des musiciens passionnément amoureux de leur art
Quand quelqu’un se décide à devenir un musicien professionnel, quelles sortes d’expériences fait-il? Quel type de chemin suit-il? Cela dépend en partie de sa situation initiale. Par exemple, les interprètes de musique classique qui vivent dans des villes de petite taille affirment parfois avec conviction qu’être engagés pour des performances spécifiques dans une ville plus grande et dans un contexte dans lequel ils peuvent rencontrer leurs pairs, qu’ils trouvent brillants, est une source de grande satisfaction, plus spécialement quand ils pratiquent en solo la plupart du temps. Dans une métropole, un rapper méconnu, entendant cette même question relatif à son voyage musical, va dire, en rimes et en rythmes, que la musique l’aide à améliorer son existence.
Tous les musiciens aiment la musique et certains l’aiment passionnément. Certaind parlent de cet amour d’une manière fort émouvante, disant par exemple qu’ils commencent par faire de la musique pour créer des sons qu’ils ont imaginé ou recréer des sons qu’ils ont entendu. Pour eux, faire de la musique à commencé avec le désir d’entendre concrètement les paysages sonores qu’ils imaginaient. Ils révèrent véritablement la musique. Leur amour ne les empêche pas toujours d’être anxieux, notamment quand ils estiment que d’autres musiciens sont plus talentueux qu’eux, même s’ils doivent travailler avec eux, mais, en fin de compte, l’amour de la musique et la joie de progresser ensemble reprend toujours le dessus. Il arrive que certains ne s’inscrivent à l’école que parce qu’ils veulent échapper à une vie plus routinière, mais cela ne signifie pas qu’ils ne vont pas devenir de bons pourvoyeurs de musique.
Trouver les sons justes
Tout le monde est un musicien, en ce sens que tous les auditeurs sont naturellement capable d’apprécier la musique. Les auditeurs sont passifs, mais l’écoute musicale peut cependant devenir active quand les auditeurs prennent le temps d’écouter différents styles de musique, devenant plus conscients de leurs préférences. Ecoutant davantage, les auditeurs étendent leurs capacités et deviennent capables d’apprécier des pièces de musique jusqu’alors inconnues, qui leur révèlent des choses aussi bien sur le plan musical que sur le plan personnel: via la musique, les auditeurs peuvent se (re)découvrir.
Pour quelques praticiens de la musique, il s’agit de trouver une adéquation entre le son qu’ils veulent créer et les pensées qu’ils veulent exprimer à travers lui. Ils aiment jouer avec d’autres musiciens qui vont leur donner la possibilité d’explorer l’art musical plus avant, ainsi que la joie de donner vie à la musique ensemble. Dans tous les cas, leur progression se fait au fil des rencontres et des apprentissages, leur formation initiale étant un début de bagage qu’ils enrichissent au fil du temps.
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Une volute qui capture une grande variété de fréquences
Certains mathématiciens sont également des théoriciens de la musique. C’était le cas de Pythagore, par exemple, qui étudia les harmoniques des sons musicaux, expliquant la manière dont ces sons sont reliés les uns aux autres. Pour ce faire, il utilisa des ratios mathématiques qui l’aidèrent à constituer l’essentiel des gammes musicales qui sont toujours, à quelques modifications près, celles qui sont utilisées dans la composition musicale classique aujourd’hui. Il y a, bien sûr, d’autres manières de relier la musique et les mathématiques.
Quand les auditeurs entendent des sons qui proviennent du monde extérieur, la cochlée, un mécanisme de l’oreille, est frappée à différents endroits et vibre, capturant un nombre élevé de fréquences ou hauteurs, parce que la cochée est voûtée. L’oreille est, dans le cadre de ce processus, un intermédiaire. Et des chanteurs, quand ils émettent des sons, étirent en quelque sorte leur larynx de manière à produire différentes fréquences que les auditeurs vont percevoir de manière distincte. Notons que la couleur est transmise à l’oeil d’une manière similaire à celle dont le pitch est véhiculé jusqu’à l’oreille, mais non identique.
Tous les sons doivent-ils être proportionnels pour plaire à l’oreille?
Les sons d’un accord majeur sont généralement plaisants à l’oreille. Est-ce à cause des ratios mathématiques? Ou y a-t-il quelque avantage évolutif (‘evolutionary advantage’) à entendre une triade? Un avantage évolutif est un bénéfice donnant à une espèce, ici, l’humanité, un trait qui lui est utile pour mieux survivre en tant qu’espèce. Cette question est posée sérieusement par un certain nombre de chercheurs dans le domaine musical. Un indice pour y répondre est trouvé dans le fait que si quelqu’un essaie de fabriquer un instrument de musique qui joue uniquement sur base de fréquences produites par des ratios, ça ne va pas marcher: pour agencer toutes ces fréquences entre elles, de petits intervalles sont nécessaires, tels que ceux appelés virgules, limmas et apotomes par Pythagore. En conséquence, l’harmonie d’une série de sons n’est pas totalement basée sur des ratios parfaitement mathématiques. Et non, l’espèce n’a aucun intérêt particulier à produire des sons parfaitement proportionnels sur le plan mathématique. Des intervalles imparfaits peuvent être fort consonants.
Par ailleurs, beaucoup d’auditeurs écoutent surtout la production récente des labels musicaux implantés au niveau global, production souvent basée sur des ratios musicaux élémentaires choisis parce qu’ils attirent l’attention d’auditeurs de plus en plus occupés. De ce fait, les auditeurs peuvent oublier d’autres styles de musique dans lesquels des ratios moins réguliers ont leur place et même peuvent être consonants. Ils vont de ce fait avoir tendance à juger les types d’harmonie moins standardisés de manière négative. En outre, l’idée que l’on se fait de la musique change à chaque époque: ainsi, la production musicale s’applique maintenant dans l’ensemble à fournir aux auditeurs des titres dans lesquels les relations entre les notes sont uniformisées.
RATIOS MATHEMATIQUES ET APPRECIATION MUSICALE
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Des capacités musicales naturelles soutenues par une importante quantité de travail
Un certain nombre de musiciens bien connus dans le domaine de la musique populaire n’ont jamais été capables de lire et d’écrire la musique, mais cela ne les a pas empêchés de produire les résultats que l’on connaît. C’est sans aucun rapport avec l’échec: de tels musiciens n’éprouvent tout simplement pas le besoin d’apprendre à décrypter et à noter la musique pour en créer. Cependant, ils sont hautement appréciés en tant que compositeurs ou interprètes.
Comment font-ils? Tout d’abord, ces compositeurs et interprètes sans aucun entraînement formel sont des auditeurs de musique extraordinaires. Les oreilles de ce genre de musiciens sont toujours en éveil, notamment quand ils jouent, bien sûr, qu’ils soient seuls ou avec d’autres musiciens et elles se rappellent de tout. Depuis quelques décennies, la technologie les aide. Par exemple, Michael Jackson ne pouvait pas lire la musique, mais en fait cela l’a plutôt aidé à étendre naturellement son style de voix et il utilisait tout simplement un enregistreur à cassettes pour mémoriser des mélodies qu’il chantait a cappella avant de les enregistrer en studio.
Pourquoi certains musiciens veulent-ils connaître la théorie musicale et d’autres non?
La principale raison pour laquelle certains musiciens ne veulent pas étudier la théorie musicale est qu’ils ne veulent pas se laisser distraire par des symboles écrits. Ce n’est ni meilleur, ni pire que le contraire: c’est différent. Ils veulent se concentrer sur ce qui est le plus important à leurs yeux: produire des sons puissants. Se concentrant sur l’apprentissage oral, ils conçoivent et exécutent des idées musicales d’une manière plus spontanée et c’est là leur manière de trouver plus d’idées originales et unique, regardant, quand ils ne jouent pas seuls, les mains des autres musiciens pour communiquer avec eux, etc.
C’est une simple question de choix: durant les années 1940, Miles Davis se rendit à Julliard pour s’y inscrire. Julliard est une école de musique connue au niveau global pour avoir formé des musiciens comme Henri Mancini, Barry Manilow, Chick Corea, Wynton Marsalis, John Williams, Renee Fleming, Steve Reich, Eric Whitacre et d'autres. Cependant, le contenu de la formation ne convint pas à Miles Davis, qui choisit d’interrompre son parcours à Julliard pour suivre un chemin moins institutionnalisé et créer de la musique en utilisant des méthodes personnelles. Connaître la théorie musicale ne réduit pas la créativité, mais cela ne convient pas à tout le monde. Iil y a de nombreuses manières d’étudier et de comprendre la musique: l’intelligence humaine a de nombreuses modalités et n’est pas dominée par une forme de compétence unique, que ce soit dans le domaine scientifique ou dans le domaine artistique. Les musiciens identifient eux-mêmes ce qu’ils étudient le mieux, comment et pourquoi. Et parfois ils aiment s’aventurer dans des territoires inconnus, parlant à leurs amis musiciens et auditeurs de manière à essayer de se faire comprendre.
EST-IL OBLIGATOIRE D’ETRE CAPABLE DE LIRE ET D’ECRIRE LA MUSIQUE POUR ETRE UN MUSICIEN?
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COMMENT LA MUSIQUE CLASSIQUE PEUT-ELLE TENIR LA CURIOSITE EN EVEIL?
Comment des auditeurs de tous horizons peuvent-ils interagir avec la musique classique?
En matière de musique comme en d’autres matières, la curiosité est la vertu qui mène à acquérir des connaissances et à faire de riches expériences. La curiosité met en place un cycle dans lequel l’apparition de nouvelles données fait naître de nouvelles questions et vice versa. La curiosité est comme une flamme grandissante, comme une lampe à huile à remplir sans cesse. Heureusement, grâce aux derniers développements de l’internet, la curiosité en lien avec la musique peut être satisfaite plus aisément que jamais: la musique est, la plupart du temps et à peu près partout, désormais gratuite. Cependant, les auditeurs qui veulent développer des capacités dans le domaine de l’appréciation musicale doivent travailler un peu pour les acquérir.
Quand des auditeurs n’ont pas eu l’opportunité d’acquérir des connaissances et des compétences étendues en matière de musique classique, que peuvent-ils faire pour satisfaire leur curiosité dans être submergé par des masses d’informations dont la qualité et la pertinence varient fortement? En effet, la musique classique peut soutenir la curiosité d’un auditeur de mille manières. Ses nombreux aspects peuvent être intéressants, c’est le cas par exemple des interactions entre consonance et dissonance.
Etonnante harmonie
La consonance et la dissonance sont les deux faces de l’harmonie, qui désigne, de manière élémentaire, des “éléments que l’on met ensemble”. En fait, dans une pièce de musique, les éléments mis ensembles peuvent s’assembler pour former un tout plaisant à l’oreille, étant alors en consonance. Ils peuvent aussi apparaître comme discordants, produisant dès lors un effet de dissonance. Ces deux types d’harmonie présentent, chacun, leur intérêt et leurs combinaisons produisent des effets variés, quand les compositeurs racontent leurs histoires musicales. Ainsi, un accord dissonant qui crée une tension dans l’esprit de l’auditeur peut être suivi par un autre qui est consonant et induit un soulagement.
Ceci dit les auditeurs perçoivent la musique en fonction de leur contexte culturel. Ainsi, l'essentiel de la musique pop est faite de consonances. Or elle est plus connue que de nombreux autres genres, à tel point que la dissonance, amenant des éléments désormais inconnus dans l’espace musical, est devenue indésirable. Toutefois, la dissonance peut produire des effets musicaux dignes d’intérêt. Mozart composa un jour le “Quatuor à Cordes n° 19” (dit “Quatuor dissonant” ). Il y utilisa une gamme dont l’usage était, même à l'époque, rare. La pièce choqua le public, mais elle contient des centaines d’effets. Le premier mouvement est léger, le troisième sombre et des éléments musicaux anciens, comme ceux trouvés dans les fugues de Bach, fusionnent avec de plus récents: il n’y a pas de distinction entre l’ancien style de contrepoint, qui est baroque donc surchargé, et un style tout nouveau d’accompagnement et de mélodie, qui tend à la simplicité. D’autres compositeurs firent des expériences similaires, cependant ce fut Mozart qui alla le plus loin.
COMMENT LA MUSIQUE CLASSIQUE PEUT-ELLE TENIR LA CURIOSITE EN EVEIL?