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MOTEUR DE RECHERCHE YMUSIC
Du compositeur à l’auditeur, de la psychologie à la spiritualité, de l’art à la science, découvrez dans la rubrique «La culture musicale dans ses divers aspects» les différentes facettes de la musique de manière insolite, de sa création par le compositeur à la manière dont l’auditeur la perçoit, en lien avec le comportement humain et la conscience. Une place sera aussi faite dans ces rubriques aux questions en lien avec l’éthique.
LA CULTURE MUSICALE DANS SES DIVERS ASPECTS
MUSIQUE ET BIEN-ETRE
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Une volonté de comprendre la musique à un autre niveau
Est-ce que les chercheurs ont des outils pour lier la compréhension subjective et l’expérimentation objective des phénomènes? Dans les différentes sciences humaines, les chercheurs étudient des profils d’individus, rassemblant notamment des données relatives à leur parcours professionnel ou leurs caractéristiques psychologiques. Dans le domaine de la musique, des observations sur le cerveau ont été faites, notamment sur des “enfants prodiges” (‘child prodigies’), après le début de leur carrière. Les résultats prouvent que quand ils jouent, certaines aires de leur cerveau deviennent plus larges que chez d’autres sujets quand ils sont appliqués à faire de même. Ceci dit, personne ne peut prouver que ces enfants prodiges sont nés avec un cerveau qui, à l’origine, était différent de celui des autres.
Beaucoup de personnes fort différentes ont intérêt à savoir quels sont les liens entre observation extérieure et savoir interne à l’être humain. C’est ainsi qu’en 1973, un astronaute ayant marché sur la Lune, Edgar Mitchell, fonda l’Institut des Sciences Noétiques (‘Institute of Noetic Sciences’), pour combiner les méthodes des sciences exactes à la connaissance de la sagesse intérieure en vue d’étudier la gamme complète des expériences que les êtres humains peuvent faire. Conscient du fait que de plus en plus personnes considèrent que ces expériences émergent de la matière physique uniquement, il voulait questionner ces expériences depuis le point de vue unique de chaque observateur.
Est-ce que la musique peut être davantage qu’une performance agréable?
Une telle connection entre la perception interne et l’expérimentation externe, dans le domaine de la musique et du son, peut mener à renouveler la manière dont les activités musicales sont envisagées et mises en oeuvre. Est-ce que les technologies du son ont leurs entrées dans l’univers médical et paramédical? Elles sont utilisées dans le cadre de certaines thérapies ou pour la relaxation. Seuls ou en groupes, certains auditeurs se plongent ainsi dans des “bains de sons”, estimant qu’ils peuvent gérer leur vie intérieure avec l’aide du son et que celui-ci les aide à modeler les émotions qui sont au centre de leur monde individuel. Ils utilisent la musique et le son pour améliorer leur vie et la rendre plus consciente.
Quelles sont les caractéristiques de la musique qui est créée pour guérir? Les pratiques et les genres peuvent varier, mais souvent on note l’absence de tempo régulier, en vue d’accéder à un niveau de concentration qui est supérieur, l’auditeur n’essayant pas de prédire ce qui va se passer dans les prochaines secondes sur le plan musical.
EST-CE QUE LA MUSIQUE PEUT CONTRIBUER A GUERIR UNE PERSONNE EN SOUFFRANCE?
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MUSIQUE, SPIRITUALITE ET METAPHYSIQUE
De la musique pour espérer
Est-ce que la musique amène quelque chose par elle-même ou est-elle une sorte de messager? Quelle est sa nature? La musique peut évoquer et créer des sentiments positifs comme la paix ou l’amour, mais aussi des émotions négatives comme la peur ou la colère. Depuis des temps reculés, elle a été utilisée pour véhiculer ou relayer de l’information, même si ce n’est pas tout-à-fait de la même manière que le langage. Ceci dit, la musique a souvent amené plus que de l’information, qu’elle soit musicale ou autre. Elle a pu être un soutien essentiel à la vie de certaines communautés humaines, comme ce fut le cas par exemple pour les ‘African American Spirituals’, un genre musical fondé par les Africains réduits en esclavage aux Etats-Unis et dont les chants rythmaient les journées qu’ils passaient à couper la canne à sucre dans les “fermes prisons” (‘prison farms’) du Sud des Etats-Unis.
Ces chants, combinant des éléments musicaux d’origine africaine et d’autres provenant d’hymnes protestants, donnèrent bien du courage aux pauvres esclaves, qui espéraient et attendaient des jours meilleurs. Un tel espoir, lié à des événements souhaités, mais dont il n’est pas possible de prédire avec certitude la réalisation ou le moment de leur réalisation, l’était aussi à une présence supérieure intangible. On le retrouva par la suite dans le Doo-Wop ou dans le Swing, tout spécialement dans le rendu des voix des chanteurs.
Musique et croissance spirituelle
Le caractère spirituel de la musique n’est pas seulement présent dans la tradition Afro Américaine. Toute musique peut être dite spirituelle, parce que même ceux qui croient en l’humanité d’abord plutôt qu’en une présence supérieure ont soif d’idéal et de personnalités humaines supérieures sur le plan éthique. Et la musique sacrée, du chant grégorien à la musique dit New Age, offre un large éventail de structures musicales qui véhiculent chacune, de manière spécifique, des messages métaphysiques.
La métaphysique, ramification de la philosophie, essaie de déterminer la nature basique de la réalité, au-delà de toute apparence physique. Elle est en lien avec l’ontologie, qui essaie de définir des notions comme: l’être, l’existence, le devenir ou la réalité. L’idée métaphysique de base est que toutes les musiques peuvent mener à la croissance spirituelle. Ainsi, un genre comme le ‘New Age’ veut soutenir la méditation et la relaxation et est souvent utilisé par les professionnels du développement personnel en vue de permettre à leurs clients d’atteindre des états tels que la “pleine conscience”. Ceci dit, des compositeurs comme Vangélis, Kitaro ou Yanni, qui sont souvent dits ‘New Age’, rejettent cette catégorisation! C’est dire qu’au-delà de toute classification, la musique reste la musique. Par ailleurs, une musique aura un effet relaxant sur un auditeur et pas sur un autre, qui lui préfèrera un autre genre de musique.
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Comment les auditeurs traitent-ils la musique?
La musique est reconnue comme étant une source de bien-être par des compositeurs, des interprètes et des auditeurs qui appartiennent à différentes traditions philosophiques, sociales, politiques ou encore religieuses. Quel que soit leur contexte culturel, les individus s’accordent à dire que la musique apaise, réconforte, encourage et soutient. La musique n’a rien de trivial et presque tout le monde peut, dans une certaine mesure, développer une réelle sensibilité à la musique, même les personnes autistes ou aveugles.
Pour traiter l’information musicale, il faut que différentes parties de l’esprit de l’auditeur soient connectées. Ainsi, l’auditeur attribue une signification à la musique, en lien avec son expérience personnelle de la vie et ses convictions. Il est sensible au tempo ou à la hauteur des notes, par exemple, et, un morceau de musique se déroulant, il commence à en discerner la structure. De temps à autre, il peut faire une expérience d’une intensité exceptionnelle et ressentir la musique autrement que d’une manière superficielle. Tout dépend de l’auditeur et du style de musique. Cela arrive et, dans certains cas, l’impact émotionnel de la musique sur l’auditeur est telle qu’il ne peut pas écouter certains types de musique tout en conduisant.
Les aptitudes musicales et la mémoire
Comme la compréhension du langage, celle de la musique est assez naturelle et cela explique pourquoi toutes les cultures connaissent le phénomène musical. Les chercheurs en musique impliqués dans le domaine de la psychologie cherchent à comprendre les liens entre musique et aspects psychiques de la vie humaine depuis le 1er quart du 19e siècle. D’autres, plus attirés par les relations entre musique et spiritualité, etablissent des ponts entre la musique et des notions comme la “pleine conscience” (‘mindfulness’). Quelle que soit la perspective adoptée, il y a là une possibilité d’acquérir du savoir musical. Même les auditeurs ont, comme les compositeurs, les interprètes ou les chercheurs, une mémoire musicale: ils peuvent se rappeler des mélodies, des progressions d’accords, etc. Cette mémoire musicale est en partie liée à l’acquisition d’une langue maternelle: les auditeurs structurent leur savoir musical d’une manière qui est similaire à celle qu’ils utilisent pour constituer leur mémoire linguistique. C'est d'ailleurs pourquoi, à l'instar du langage, elle intervient dans les phénomènes relatifs à la plasticité du cerveau.
Comment la mémoire musicale travaille-t-elle? Il y a, à ce sujet, diverses théories. Quoi qu’il en soit, il est certain que cette mémoire peut être très puissance, ainsi que le phénomène bien connu qu’est la capacité de jouer un morceau de musique à l’oreille l’indique. Cette manière d’apprendre la musique est d’ailleurs la plus ancienne qui soit: quand les partitions de musique n’existaient pas (c’est d’ailleurs toujours le cas dans les sociétés traditionnelles), la musique se transmettait par voie directe de génération en génération, les apprenants les jouant à l’oreille après les avoir entendus.
LA MUSIQUE ET L’ESPRIT HUMAIN, DU TRAITEMENT DES DONNEES A LA MEMOIRE
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L’écoute perpétuelle
Quand il s’agit de la santé des musiciens interprètes, les choses sont simples, en théorie: les pianistes doivent prendre soin de leurs mains, les violonistes des muscles de leur bras et les chanteurs de leurs cordes vocales. En pratique, c’est moins évident, surtout pour les professionnels, qui sont sollicités par leurs partenaires, les organisateurs de concerts, de manière fort régulière. Vu que les concerts sont pour eux une source de revenus importante, les interprètes veulent être de plus en plus productifs pour rester compétitifs, parfois au détriment de leur santé personnelle. Parmi eux, les chanteurs représentent une catégorie à part: utilisant une partie de leur corps comme instrument, ils ont souvent une visibilité plus importante que les autres membres d’un groupe et sont particulièrement appréciés du grand public.
Différents types de chanteurs sont apparus au fil du temps. Avant la montée de la pop dans les années 1960 et même ensuite, les divas furent les voix des personnages imposants de l’opéra: le nom de Maria Callas, par exemple, est toujours connu aujourd’hui. Maria Callas, qui avait été initiée au “bel canto” (un style vocal populaire aux 18e et 19e siècle) par Elvira de Hidalgo, chanta notamment dans la “Tosca” de Puccini. Quels étaient ses secrets? Les spécialistes parlent de travail intense avant tout: Callas dévorait littéralement la musique, apprenant de tous, des élèves les moins talentueux comme de ses professeurs.
Culture de la voix et opérations chirurgicales
Cette réalité s’affirme de manière évidente quand on entend des chanteurs tels que Maria Callas et Placido Domingo dans "Turandot", l'opéra de Puccini: la voix est le “luth du corps”. C’est ainsi qu’en parle un traité de l’Inde Ancienne. C’est un instrument musical de choix et c’est pourquoi les chanteurs professionnels apprennent à l’utiliser convenablement. Les chanteurs apprennent en particulier les techniques qui les aident à structurer leur voix et à la rendre puissante. Sachant que chaque voix humaine a un timbre unique, ils apprennent à en jouer de manière à en tirer profit. Ils travaillent aussi pour maîtriser les mécanismes de leurs voix pour produire des sons distincts.
Quelquefois, quand des chanteurs poussent leur voix au maximum et saignent, ils ne peuvent plus chanter. Même Maria Callas a connu, a posteriori, des problèmes, suite à des rôles exigeants qu’elle avait acceptés au début de sa carrière: elle eut des soucis au niveau du diaphragme. Aujourd'hui encore, notamment dans le domaine de la musique populaire, certains chanteurs endommagent leurs cordes vocales. Cependant, des chirurgiens spécialistes du larynx commencent à utiliser des biogels à base de polymères qui peuvent être injectés dans des cordes vocales endommagées: ces matériaux non toxiques ont une élasticité similaire à celle des cordes vocales, qu’ils peuvent imiter lorsque des sons sont émis. Des chanteurs populaires tels que Adèle ont admis récemment y avoir eu recours.
LES VOIX DES CHANTEURS ET LEUR SANTE: TALENT, TRAVAIL ET CHIRURGIE
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COMMENT LA MUSIQUE PEUT-ELLE AIDER LES AUDITEURS A RETROUVER LEUR « SOI VERITABLE »?
Comment le “soi véritable” peut-il être défini?
Dans les sociétés contemporaines, un nombre croissant de distractions peut éloigner les individus de leur “soi véritable”. Le psychologue Donald Winnicott, pendant les années 1960, a défini ce concept de “soi véritable” comme étant le soi qui est clairement en lien avec chaque expérience authentique et spontanée que la vie peut fournir. Le soi véritable est vulnérable et c’est pour cela que les personnes qui ont une faible estime de soi et deviennent narcissiques tendent à le cacher, présentant aux autres un “soi” qui est moins authentique. Ce type de personnes adopte souvent une position défensive et essaie de contrôler les autres, spécialement leurs enfants, qu’ils voient en quelque sorte comme des extensions d’eux-mêmes.
Quand ils vivent de si mauvaises expériences en lien avec le contrôle, certains de ces enfants ont tendance à vivre des “pseudo-relations” au lieu d’accorder de l’attention à leurs proches. Ils peuvent aussi être effrayés par la liberté, spécialement la liberté d’être eux-mêmes, et ressentir du désespoir lorsqu’ils prennent conscience que, la plupart du temps, ils jouent un rôle au lieu de montrer leur “soi véritable”. En pratique, qu’est-ce que cela signifie? Que des qualités comme le discernement, la spontanéité, l’amour ou la volonté libre guident naturellement la vie humaine, mais qu’elles peuvent être abandonnées en faveur de pensées et de comportements qui sont totalement coupées de l’essence de la vie. Les bouddhistes, pour leur part, parle d’un “soi permanent” ou ‘atman’, le mot étant en lien avec les concepts d’âme, de souffle et d’essence.
Comment la musique peut-elle aider à retrouver son “soi véritable”?
Se déplaçant dans l’air, alternant sons et silence, la musique est un moyen privilégié pour travailler sur le “soi véritable”. En effet, la musique est un moyen spontané et naturel d’établir une relation, spécialement entre les auditeurs et leur être intérieur. Ecoutant de la musique, les individus peuvent respirer et prendre un moment pour relier entre elles diverses parties d’eux-mêmes. Ces individus peuvent être de simples auditeurs, mais aussi, en certaines occasions, des professionnels de la musique désireux de (re)trouver un “soi” plus authentique sur le plan de la musicalité, notamment pour retrouver la joie de jouer, si elle est entamée par des soucis en lien avec leur carrière ou leurs finances.
Ceci dit, d’une manière plus générale, sans entrer dans le domaine thérapeutique proprement dit, l’écoute de musique apporte des bénéfices à ses auditeurs. En effet, tous les individus ont, par nature, une certaine sensibilité à la musique: ils peuvent, notamment, attribuer des significations aux musiques qu’ils perçoivent.
COMMENT LA MUSIQUE PEUT-ELLE AIDER LES AUDITEURS A RETROUVER LEUR « SOI » VERITABLE?